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GelaSkins für die 3. Generation iPod Nano sind aus einem zweiteiligen Design, welches die komplette Vorder- und Rückseite bedeckt. Jedes Set beinhaltet einen Displayschutz.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.
Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.
Die Themen in Audrey Kawasakis Arbeiten sind in sich gegensätzlich. Ihre Kunst ist beides: Unschuldig und erotisch attraktiv und zerstörend zugleich. Audreys präziser technischer Malstil ist zum einen inspiriert von Manga Comics und zum anderen von Art Nouveau. Ihre genaue grafische Metaphorik gepaart mit der natürlichen Körnung der Holzoberfläche, auf welcher sie malt, ergibt einen unerwarteten warmen und enigmatischen Ausdruck bei ihren Werken.
Amy Sol verbrachte Ihre Kindheit in Korea und zog dann um nach Las Vegas in Nevada. Dort lebt und arbeitet sie derzeit. Ihr Stil ist stark beeinflusst von einer Kombination aus Manga, Folk Art, altmodischer Illustration und modernem Design. Sie ist nach wie vor eine auto-didaktische Künstlerin. Über viele Jahre hinweg, hat sie viel Zeit mit dem richtigen mischen und herstellen einer Farbpalette verbracht die aus kaum merklichen und gedeckten Farben besteht. Sol arbeitet von Anfang bis Ende intuitiv an jedem Kunstwerk. Hierbei legt Sie großen Wert darauf, dass jeder Betrachter eine subjektive Interpretation oder Aussage über ihr Gemälde treffen soll. In Ihren Arbeiten erkennt man oft skurrile Landschaften, die bevölkert sind mit exotischen Pflanzen, Tieren oder Frauen. Inmitten der Charakteristik eines jeden Bildes, spürt man eine friedvolle Reflektion und Gemeinschaft.
Ich glaube bis heute an die Magie der Kindheit und denke, dass dein Leben mit dieser Magie endlos erscheint. Ich glaube das ein Kinderbuch für Erwachsene kein Genuss ist, weil entweder das Buch nicht gut ist oder andererseits etwas nicht stimmt mit der Art und Weise, wie ein Erwachsener das Buch interpretiert. Das ist natürlich der elegante Weg zu sagen, dass ich nicht erwachsen werden will.
Meine Lieblingsfrüchte sind Kirschen, und meine Musik ist Rock and Roll und ich mag alte Blues Schallplatten. Ich bin ein Australischer Mitbürger, ein Linkshänder und farbenblind.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Maurits Cornelis Escher (17. Juni, 1898 bis 27. März, 1972), war ein holländischer Künstler dessen Graphiken mathematisch inspiriert sind. Dies sieht man an seinen Holzschnitten, Lithographien und Mezzotintos, die allesamt die Erkundung der Unendlichkeit bei architektonischen Konstruktionen und Mosaiken thematisieren, welche eigentlich unmöglich sind, aber dem Betrachter logisch erscheinen.
Von Kindesbeinen an, zeichnete Nathan T. Ota Bilder. Alles begann mit dem Nachzeichnen von Cartoons, Comics, Fotographien oder von Punk Rock Flyern während seiner Hausaufgaben. Nathans erste Einflüsse bekam er durch die Kalender von Frank Frazetta und Vampirella Comics seines ‰lteren Bruders. Sein Vater unterstützte seine Liebe zum zeichnen und der Kunst von jeher. In den 80 er Jahren entdeckte Nathan das Medium Graffiti um sich und seiner Kunst Ausdruck zu verleihen. Dieser Einfluss durchdringt seine Arbeiten auch heute noch. Er arbeitet als freiberuflicher Illustrator und lehrt am Otis College of Art and Design in Kalifornien sowie am Santa Monika College in Kalifornien. Darüber hinaus hat er schon einige CD Cover illustriert unter anderem Henry Rollins The Boxed Life, Big Ugly Mouth, Sweatbox, Live at MC Cabeís und Human Butt. Zu seinen Kunden zählen ebenso The Los Angeles Times, New York Times, Wall Street Journal, Virgin Interactive, Capitol Records und 2.13.61 Publication. Ota lebt und wurde geboren in Los Angeles. Sein Diplom als Illustrator erhielt er 1993 am Art Center College of Design in Pasadena Kalifornien.
Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.
1973 geboren in Riverside Kalifornien, hatte Steven ein sehr bewegtes Leben er pendelte zwischen Kalifornien und dem Amerikanischen Mittleren Westen diese Zeit prägte ihn sehr.
In diesen Jahren geschah es, dass seine Leidenschaft für Kunst entzündet wurde und sich dann wie ein Waldbrand entfachte. Nach seinem Abschluss auf der Bolsa Grande High School besuchte er das Riverside College und wurde dann versetzt nach Pasadena auf das Art Center College of Design. Unzufrieden mit der Art und Weise des Unterrichtes entwickelte er für sich einen Stil der seinen Vorstellungen auch authentisch entsprach. Graffiti spielte eine enorme Rolle während seines Lernprozesses, in dieser Zeit lernte er Geduld, Farbtheorie und Farbkomposition. 1997 wurde er auf Anraten seines früheren Professors zu einem Treffen mit einem Vorstand von Disney bewegt. Hier wurde Steven bewusst, dass seine Karriere als Künstler nun ernsthafte Formen annimmt. Stevens Arbeit ist extreme stylish denn seine Gemälde sind sehr emotional und sinnträchtig. Steve hat schon in diversen namhaften Galerien ausgestellt.
Bis heute hat er eine ansehnliche Anzahl an Arbeiten vorzuweisen. Mr. Daily arbeitet derzeit an neuen Projekten und ist sehr beschäftigt. In naher Zukunft werden wir also bald mehr von seinen Arbeiten sehen.
Die Natur imitieren, Fraktale illustrieren das Ränkespiel von Selbstähnlichkeit in unterschiedlichen Skalen, während sie ihre Komplexität in offenkundiger Bewegung zeigen. Als Bewunderer dieser mathematischen Schönheiten kreiert Gary seit 2003 Fraktale.
Kathie Olivas ist eine Multimedia Künstlerin aus Tampa, Florida und lebt zeitweilig auch in Albuquerque NM. Mit 30 Jahren hat sie schon weltweit bei verschiedenen Galerien ausgestellt. Darüber hinaus stellt sie permanent im Tampa Museum of Art aus. Sie hat ihren Abschluss in Visueller Kunst in der Universität von Süd Florida absolviert und arbeitet derzeit an einem Buch über ihre Arbeit mit Mark Murphy Design, sowie an einer Limitierten Edition von Vinyl Spielzeugen.
Steadman ist berühmt für seine sozialen und politischen Karikaturen und Cartoons, darüber hinaus zählt eine große Anzahl an Illustrationen für etliche Bücher zu seinen Werken. Ebenso hat er viele Auszeichnungen erhalten unter anderem: Für Francis Williams Book Illustration, Alice in Wonderland, the American Society of Illustrators Certificate of Merit, den W H Smith Illustration Award für I Leonardo, the Dutch Silver Paintbrush Award für Inspector Mouse, den Italian Critica in Erba Prize für Thats My Dad, den BBC Design Award für postage stamps, den Black Humour Award in Frankreich sowie den Art Designer Association Award. 1979 wurde er vom American Institute of Geographic Arts zum Designer des Jahres gekürt. Steadman verbindet eine langjährige Freunschaft mit dem amerikanischen Journalisten Hunter S. Thompson, für den er einige Bilder seiner Artikel und Bücher gemacht hat. Er begleitete Thompson zum Kentucky Derby für einen Artikel des Magazins Scanlans und zum Honolulu Marathon für das Magazin "Running" Ebenso illustrierte er das Buch Fear and Loathing in Las Vegas sowie Fear and Loathing on the Campaign Trail 72.
Aaron Kraten wuchs auf in Huntington Beach, Kalifornien und mochte schon immer das Zeichnen. In einem Skizzenblock hielt er fortwährend seine Ideen und Entwürfe fest. 1999 arbeitete Kraten bei einer Firma mit dem Namen Stateside. Hier fand er geeignete Objekte mit welchen er zu experimentieren begann. Bei Stateside stellt er eines seiner Gemälde aus und verkaufte es gleich zu einem sehr guten Preis. Kurz danach stellte er seine Werke in Galerien rund um Süd Kalifornien aus. Weitere Ausstellungen in Galerien folgten, beispielsweise: The Laguna Art Museum, Museum of Contemperary Art Los Angeles, und Gallery 23, Gallery C, sowie Seven Degrees. Aaron Kraten hat pro Jahr ungefähr 4 Ausstellungen und veröffentlicht seine neuesten Arbeiten oftmals auf seiner Website. Er hat zwischenzeitlich über 58 hundertseitige Skizzenbücher angefertigt und mehr als 150 Bilder. Derzeit arbeitet Aaron in der Video Spiele Industrie und ist dort Vollzeit als Zeichner beschäftigt.
Aaron Kraten wuchs auf in Huntington Beach, Kalifornien und mochte schon immer das Zeichnen. In einem Skizzenblock hielt er fortwährend seine Ideen und Entwürfe fest. 1999 arbeitete Kraten bei einer Firma mit dem Namen Stateside. Hier fand er geeignete Objekte mit welchen er zu experimentieren begann. Bei Stateside stellt er eines seiner Gemälde aus und verkaufte es gleich zu einem sehr guten Preis. Kurz danach stellte er seine Werke in Galerien rund um Süd Kalifornien aus. Weitere Ausstellungen in Galerien folgten, beispielsweise: The Laguna Art Museum, Museum of Contemperary Art Los Angeles, und Gallery 23, Gallery C, sowie Seven Degrees. Aaron Kraten hat pro Jahr ungefähr 4 Ausstellungen und veröffentlicht seine neuesten Arbeiten oftmals auf seiner Website. Er hat zwischenzeitlich über 58 hundertseitige Skizzenbücher angefertigt und mehr als 150 Bilder. Derzeit arbeitet Aaron in der Video Spiele Industrie und ist dort Vollzeit als Zeichner beschäftigt.
Das breite Spektrum der visuellen Ästhetik von Aya Kato besteht zum einen aus Manga und Anime, zum anderen aus der neuen Französischen- und der traditionellen japanischen Kunst. Hieraus lässt Aya Kato aus ganz gewöhnlichen Märchen oder Liebesgeschichten leidenschaftliche und lebendige Kunststücke entstehen. Als junge aufstrebende Künstlerin hatte Aya bereits ihr erstes Feuilleton im Magazin Beautiful/Decay. Gleichermaßen wurde Sie von Chubu Electric Power Co. beauftragt Window Displays zu entwerfen. Aya war maßgeblich eingebunden beim Design des Tori Amos Music Videos Sleeping with Butterflies. Aya ist fest davon überzeugt, dass sich Träume erfüllen werden, wenn man an sie glaubt.
Brian Oxley ist ein 35 jähriger Graphik Designer/Illustrator/Träumer aus Großbritannien. 1999 reiste er nach Japan wo er heiratete und drei Jahre in einer Webdesign Agentur in Harajaku bei Tokio arbeitete. In seine Heimat nach UK kehrte er von 2003 bis 2003 zurück, um sich danach erneut nach Japan zu begeben wo er nun als Graphik Designer für Japanische Klienten arbeitet. Seine Hobbies sind: Fotographie, Illustration und die Japanische Sprache.
Katsushika Hokusai
Katsushika Hokusai geboren vermutlich am 31. Oktober 1760 in Warigesui.
1779 veröffentlichte er seine ersten Arbeiten: Schauspielerportraits, die unter dem Namen Shunro erschienen und sich vor allem durch die individuellen Gesichtszüge der Dargestellten auszeichneten. Da er sich nicht den künstlerischen Prinzipien seines Meisters unterwarf und vor allem auch von anderen Meistern lernte, musste er die Werkstatt 1785 verlassen. Danach wanderte Hokusai durch Japan. Er wechselte häufig seine Lehrer und Schulen und auch mehr als 30 Mal seinen Namen und wohnte an etwa 90 verschiedenen Orten, wobei er seine Kunst immer weiter perfektionierte. Nebenbei verfasste Hokusai auch volkstümliche Romane. 1782 erschien sein erstes Buch mit eigenen Illustrationen. Ab 1798 nahm er eigene Schüler an und unterrichtete sie in der Kunst des Holzschnitts und der Zeichenkunst. Von diesem Zeitpunkt an zeichnete er unter seinem bis heute bekannten Namen Katsushika Hokusai. Obwohl sich Hokusai mit verschiedenen Stilrichtungen auseinandersetzte, blieb er stilistisch unabhängig. Zeitweise lebte er in größter Armut und auch nachdem er mit seinem künstlerischen Schaffen Geld verdienen konnte, bevorzugte er ein einfaches Leben. Zu seinem Spektrum gehörten alle Formen und Techniken des Holzschnittes und der Malerei, und seine Motive reichten von der Darstellung kämpfender Samurai bis hin zu erotischen Szenen wie etwa - Der Traum der Fischersfrau -. Seine bekanntesten Bilder stellten allerdings die Natur und Landschaften dar. Hokusai machte den Begriff Manga (etwa zwangloses/ungez¸geltes Bild) populär, der noch heute für japanische Comics verwendet wird. Seine Hokusai-Manga sind Skizzen, die zwischen 1814 und 1815 in insgesamt 15 Bänden veröffentlicht wurden. Sie erzählen keine zusammenhängenden Geschichten, sondern stellen Momentaufnahmen der japanischen Gesellschaft und Kultur während der späten Edo-Zeit dar und bilden das gesamte Spektrum des menschlichen Lebens ab. Noch bekannter wurde Hokusais Bildserie Ñ36 Ansichten des Berges Fujiì, die zwischen 1830 und 1836 entstand und in der er auf 36 Bildern die Landschaften rund um den höchsten Berg Japans einfing. Die grosse Welle vor Kanagawaì, ein Bild aus diesem Zyklus, dürfte das weltweit bekannteste japanische Kunstwerk sein. Darüber hinaus entstanden in dieser Zeit über 200 weitere Zeichnungen. Hokusais Werke verbreiteten sich anfangs nur in Japan, da sich das Land mit Beginn des 17. Jahrhunderts gegenüber der übrigen Welt nahezu völlig isoliert hatte. Nur Händlern aus den Niederlanden war es zu der Zeit erlaubt, Handel mit Japan zu treiben, und mit ihnen gelangten seine Bilder auch nach Europa. Dort inspirierten sie Künstler wie Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Egon Schiele und Gustav Klimt und beeinflussten den Impressionismus. Quelle: Wikipedia
Ich glaube bis heute an die Magie der Kindheit und denke, dass dein Leben mit dieser Magie endlos erscheint. Ich glaube das ein Kinderbuch für Erwachsene kein Genuss ist, weil entweder das Buch nicht gut ist oder andererseits etwas nicht stimmt mit der Art und Weise, wie ein Erwachsener das Buch interpretiert. Das ist natürlich der elegante Weg zu sagen, dass ich nicht erwachsen werden will.
Meine Lieblingsfrüchte sind Kirschen, und meine Musik ist Rock and Roll und ich mag alte Blues Schallplatten. Ich bin ein Australischer Mitbürger, ein Linkshänder und farbenblind.
Dodeskaden
Quebec City, Kanada
Dodeskaden ist ein Illustratorin die in Quebec City zu Hause ist. Schon in sehr jungen Jahren hat sie gemalt und hat sich nun darauf spezialisiert Vektorisierte Illustrationen zu erstellen. Ihre Arbeiten gestaltet Sie seit 2005. In jüngster Zeit arbeitet Sie an Projekten in der Mode und Werbeindustrie in Hong Kong auf den Philippinen in Kanada und den USA.
Stella ist eine Malerin die in New York City lebt. Obwohl ihr Background im Industriedesign und dem Spielzeugdesign liegt, entschied sie sich kurzerhand dazu persönlichere und ausdrucksstärkere Kreationen anzufertigen. Ihre erste Vernissage hatte sie im Herbst 2005. Falls Sie einmal nicht zeichnet oder malt, mag sie es zu essen und dabei an mehr Essen zu denken, oder sie sucht nach dem perfekten Muffin. Sie mag gerne Eiscreme essen im Park und spazieren zu gehen in ihrer Lieblingsstadt New York City.
Travis Louies Malerei entsteht aus kleinen Zeichnungen die er in seinen Journalen aufzeichnet. Er kreiert mit seinen Vorstellungen eigene Welten und seine Bilder sind im Viktorianischen Stil oder wie zu Zeiten Edward des VII. Jedem seiner Werke wohnen menschliche Kuriositäten inne. Mystisch anmutende Wesen oder Charaktere die nicht von dieser Welt zu sein scheinen. Dennoch werden die Existenz und der gesellschaftliche Platz den die Charaktere auf seinen Portraits einnehmen herausgestellt. Manche Bilder sind im Ursprung vollständig mysteriös, andere wiederum nur angedeutet. Ein Mann der als Ziege verflucht ist, etwas eigentümlich Pelzartiges entdeckt man schlafend in einer Hecke. Mit einfallsreichen Techniken und Acrylverwaschungens sowie simplen Texturen malt er auf weichem Untergrund Portraits mit abwechslungsreichen, greifbaren oder nicht existierenden Universen.
Martin LaCasse ist ein Tatoo Künstler mit 13 Jahren Berufserfahrung und einem Bachelor Degree in Fach Kunst. Seine Arbeiten haben starke Wurzeln aus der traditionellen japanischen und amerikanischen Art des Tätowierens. Er ist ansässig im Olde City Tatoo Shop in Philadelphia. Martins Arbeiten sind schon in zahlreichen Tatoo Magazinen ver-öffentlicht worden, seine Gemälde wurden ebenso im Buch Take What you Can, Give nothing Back publiziert.
Jason Limón ist 1973 geboren und aufgewachsen in San Antonio, Texas. Seinen ersten künstlerischen Ausdruck zeigte er schon im frühen Kindesalter indem er Charaktere und Szenerien aus seiner unmittelbaren Umgebung sowie aus seinem sehr belebten Nachbarschaftsumfeld aufgekritzelt hat. Er studierte Grafik-Design auf dem Visual Arts & Technology Center in San Antonio College und stieg 1995 in die Welt des kommerziellen Grafik Design ein und wurde in der Industrie ein kompetenter Ansprechpartner mit seinem Fachwissen über Typisierung, Farben und Bildkomposition. Nach zwölf Jahren und einigen Awards, kehrte er zurück zu seiner wahren Bestimmung. Er entwickelte und malte seine Kunstwerke mit dem Pinsel anstelle mit der Computermouse. Augenblicklich arbeitet er an einigen Werken und kommerziellen Illustrationen für eine Vernissage in einer Galerie. Einige seiner Werke können besichtigt werden bei:
Communication Arts, Society of Illustrators of Los Angeles, American Illustration, Print Regional Design and Graphics.
Jen Lobo hat eine große Affinität zu allem was Federn, Fell oder mit Vögeln bzw. Wasserwelten zu tun hat. Ihre Arbeit testamentiert Ihre Liebe zur Natur mit einer Mischung aus menschlichen Thematiken wie Liebe Verlust, Tragödie und Triumph. Jen wohnt in Los Angeles mit Ihrem Mann, drei Kindern und einer kleinen Zucht von Haustieren.
Ich glaube bis heute an die Magie der Kindheit und denke, dass dein Leben mit dieser Magie endlos erscheint. Ich glaube das ein Kinderbuch für Erwachsene kein Genuss ist, weil entweder das Buch nicht gut ist oder andererseits etwas nicht stimmt mit der Art und Weise, wie ein Erwachsener das Buch interpretiert. Das ist natürlich der elegante Weg zu sagen, dass ich nicht erwachsen werden will.
Meine Lieblingsfrüchte sind Kirschen, und meine Musik ist Rock and Roll und ich mag alte Blues Schallplatten. Ich bin ein Australischer Mitbürger, ein Linkshänder und farbenblind.
Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.
philip straub
ANALOG RETIREMENT Apple iPhone 4 und 4S
DESTROY THE CITY Amazon Kindle Keyboard
PRESENCE BlackBerry Curve 8900
RETROSPECT Apple iPad 2
BOOKSHELF Amazon Kindle 4 (2011)
MY POP iPod Nano (4th Gen.)
STRENGTH HTC Mozart
PEACOCK iPhone 3GS, 3G, Original
BEAST AND THE BEAUTY BlackBerry Bold 9700
STEAMPUNK iPhone Original
BOOMBOX II HTC G2 Magic
FANTASY FOOTBALL Apple iPhone 4 und 4S
MOUNTAIN VIEW iPod Nano (6th Gen.)
POSSESSED Sony XPERIA PLAY
CARNIVAL BLOOM iPod Touch (4th Gen.)
THE INVASION BEGINS Amazon Kindle 4 (2011)
MOD iPod Touch (1st Gen.)
AURORA BOREALIS OVER JORDAN POND BlackBerry Bold 9700
TREE FROG POKING OUT OF A POND 15" MacBook Pro Unibody