Playdead Cult
Toronto, Canada

Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.

Playdead Cult
Toronto, Canada

Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.

Playdead Cult
Toronto, Canada

Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.

Henry Stinson
Pullman, WA

Henry Stinsons Welt ist keine Welt aus Schwarz und Weiß. Seine Welt besteht aus Farbtropfen mit kräftigen, hellen Farben in reich strukturierten Schattierungen von allegorischem Sinn und Humor. Seine nahezu unheimliche Fähigkeit, lebensverändernde Metaphern aus einem Feuer-Hydranten oder einem Spielzeugroboter zu gewinnen und deren Stimmungen derart herausstellen zu können, ist heutzutage von unschätzbarem Wert. Ausgestattet mit dem Körper eines Top Athleten und dem Herzen eines Kindes, will Stinson übermenschliches erreichen. Sein wirklich erstes Werk malte er im Alter von zehn Jahren, dieses handelte von einem Vampir. Diese Thematik setzte er später in seiner anschließenden Show, Das Stolpern zur Erleuchtung, fort. Stinson lebt mit seiner Familie in Pullman Washington. Hier pflegt er seine Gärten mit der Leidenschaft und Hingabe eines Zen-Mönches. Eine Art Meditation sowie geisteswissenschaftliche Botschaften der Hoffnung, welche über die Welt der physischen Sinne hinausgehen, liegen versteckt in seinen Bildern. Im Alter von fünf Jahren machte er seine erste Nah-Tod-Erfahrung, als er hinter der Wohnzimmercouch seiner Familie einen Stromschlag bekam. Diese Erfahrung veränderte sehr nachhaltig die Wahrnehmung der Realität von Henry. Moses stieg auf den Berg und wurde von Gott berührt. Henry sagt, dass er hinter der gelben mit Kunststoff überzogenen Couch im Hause seiner Eltern von Gott berührt wurde. Dieser Kontakt genügte ihm und inspirierte ihn die Ehrfurcht vor allem Leben zu haben. Dieses Geschenk förderte in Stinson das künstlerische Talent und ließ ihn das Heilige in allem weltlichen erkennen.

Nicoletta Ceccoli
Luglio, Italien

Nicoletta lebt und arbeitet in San Marino als Kinderbuch Illustratorin. Seit ihrer Kindheit schon liebt sie Kinderbücher und umgibt sich heute noch täglich mit ihnen. Ihre erste Arbeit wurde im Jahr 1997 veröffentlicht und seither hat sie schon viele, viele weitere publiziert. Nicolettas Arbeiten bescherten ihr über die Jahre zahlreiche Auszeichnungen, einschließlich des Andersen-Preises und dem Baia Delle Favole, sowie im Jahre 2006 die Silbermedaille von der Society of Illustrators in New York.

Ihre Arbeiten wurden bisher in den USA sowie Europa gezeigt und enthalten mehrere wiederkehrende Themen. Diese handeln vom Verlust der Unschuld mit fragilen Protagonisten, welche sich in paradoxen Lebenssituationen befinden, deren theatralische Einsamkeit zusätzlich betont wird. Die Darstellungsweise von Nicolettas Werken ist wie die von klassischen Märchen und paart sich mit den Einflüssen der flämischen Malerei des 16. Jahrhunderts.

Jason Limón
San Antonio, USA

Jason Limón ist 1973 geboren und aufgewachsen in San Antonio, Texas. Seinen ersten künstlerischen Ausdruck zeigte er schon im frühen Kindesalter indem er Charaktere und Szenerien aus seiner unmittelbaren Umgebung sowie aus seinem sehr belebten Nachbarschaftsumfeld aufgekritzelt hat. Er studierte Grafik-Design auf dem Visual Arts & Technology Center in San Antonio College und stieg 1995 in die Welt des kommerziellen Grafik Design ein und wurde in der Industrie ein kompetenter Ansprechpartner mit seinem Fachwissen über Typisierung, Farben und Bildkomposition. Nach zwölf Jahren und einigen Awards, kehrte er zurück zu seiner wahren Bestimmung. Er entwickelte und malte seine Kunstwerke mit dem Pinsel anstelle mit der Computermouse. Augenblicklich arbeitet er an einigen Werken und kommerziellen Illustrationen für eine Vernissage in einer Galerie. Einige seiner Werke können besichtigt werden bei:
Communication Arts, Society of Illustrators of Los Angeles, American Illustration, Print Regional Design and Graphics.

Emek
Portland, Oregon USA

Emeks Karriere erfuhr in den 1990er Jahren einen regelrechten Hype, weil er sehr viele Poster für alternative Rock-Acts aus Europa und Nordamerika gestaltet hat, so auch für Bands wie Pearl Jam, Radiohead, Queens Of The Stone Age, Tool, Marilyn Manson und The Decemberists. Innerhalb der letzten zehn Jahre wurden Emeks Arbeiten sowohl in Galerien der Vereinigten Staaten gezeigt, als auch in Berlin, London und Tokio.

Emeks Werke lassen sich der zeitgenössischen Kunst zuordnen. Derzeit lebt er in Portland, Oregon. Emek wuchs in Kalifornien in einer 5-köpfigen Künstlerfamilie auf. Geboren wurde er in Israel - hier lebten seine Eltern als Künstler in einem Kibbuz. Später lebte Emeks Familie inklusive seines jüngeren Bruders und seiner Schwester in den Vereinigten Staaten in der Nähe von Los Angeles. Sein Vater arbeitete dort als Hausmeister. Bei ihm zu Hause gab es im ganzen Haus keinen Fernseher lediglich ein Radio, sowie ein gut ausgestattetes Atelier. Seine Eltern waren lange Zeit in politischen Bereichen aktiv und setzten sich unter anderem für soziale Gerechtigkeit, Friedensbewegungen oder den Umweltschutz ein.

Emek
Portland, Oregon USA

Emeks Karriere erfuhr in den 1990er Jahren einen regelrechten Hype, weil er sehr viele Poster für alternative Rock-Acts aus Europa und Nordamerika gestaltet hat, so auch für Bands wie Pearl Jam, Radiohead, Queens Of The Stone Age, Tool, Marilyn Manson und The Decemberists. Innerhalb der letzten zehn Jahre wurden Emeks Arbeiten sowohl in Galerien der Vereinigten Staaten gezeigt, als auch in Berlin, London und Tokio.

Emeks Werke lassen sich der zeitgenössischen Kunst zuordnen. Derzeit lebt er in Portland, Oregon. Emek wuchs in Kalifornien in einer 5-köpfigen Künstlerfamilie auf. Geboren wurde er in Israel - hier lebten seine Eltern als Künstler in einem Kibbuz. Später lebte Emeks Familie inklusive seines jüngeren Bruders und seiner Schwester in den Vereinigten Staaten in der Nähe von Los Angeles. Sein Vater arbeitete dort als Hausmeister. Bei ihm zu Hause gab es im ganzen Haus keinen Fernseher lediglich ein Radio, sowie ein gut ausgestattetes Atelier. Seine Eltern waren lange Zeit in politischen Bereichen aktiv und setzten sich unter anderem für soziale Gerechtigkeit, Friedensbewegungen oder den Umweltschutz ein.

Brian Despain
Kirkland, USA

Brian lebt in einer geheimen Welt von verrosteten Automaten und verschlepptem Fisch. Seine Vorstellung tanzt zwischen dem delikaten Zwiespalt des dunklen Humors und übersättigten Doppeldeutigkeiten des versteckten Symbolismus. Seine Bilder deuten große Maschinen an, die unter der Oberfläche der bewussten Wahrnehmung schwimmen. Seine Kunst ergreift die Aufmerksamkeit und bittet den Betrachter förmlich die einmalige Erfahrung von Brians Vorstellungen mit Ihm zu teilen. Brian lebt und malt seine Werke derzeit in Washington State.

Brian Barneclo
San Francisco, USA

Die meisten Menschen kennen, Brian von seinen großen Wandbildern in Restaurants, Bars, Hotels, Wohnungen und auf den Straßen von San Francisco. Seine wichtigste Arbeit ist möglicherweise das massive „Food Chain“ Bild, welches 25 m hoch ist und von ihm in nur zwei Wochen fertig gestellt wurde. Brian schreibt seine Erfahrungen als Zeichner hauptsächlich den Einflüssen seiner besonderen Maltechnik zu. Unter seinen stilistischen Einflüssen erkennt man Künstler wie Pablo Picasso, Romare Bearden und Stuart Davis, um nur einige zu nennen.

Vielfach setzt er auf die Verwischung der Grenzen zwischen den Stilen und kombiniert diese dann. Brians Arbeiten beinhalten sowohl surreale Züge als auch Einflüsse des Folk/Pop Kubismus, bis hin zur städtischen Moderne. Seine Werke strahlen gleichermaßen eine eigene Ästhetik aus. Brian sagt „Es benötigte viele spielerische Ansätze, um diese Herangehensweise zu praktizieren“. Seine Arbeiten sind sozusagen „spielerischer Ernst“. - Ernsthaft.

SABER
Los Angeles, Kalifornien USA

SABER war bereits ein fester Bestandteil der Los Angeles Graffiti-Szene. Als er im Jahre 1997 dass größte jemals erstellte Graffiti erschuf, katapultierte ihn dies zur globalen Legende. Sein Werk, das er auf das zementiert abfallende Ufer des Los Angeles Rivers sprühte, hat fast die Größe eines Profi-Fußball-Feldes. Man erkennt es sogar ganz klar auf einem Satellitenfoto. Es dauerte 35 Nächte und er benötigte 97 Liter Farbe, um es zu vollenden. Auf einem berühmten Foto-, welches von seinem Vater gemacht wurde nachdem er sein Werk beendet hatte sieht man SABER lediglich als kleinen Fleck inmitten eines Feuerwerks von Farben.
Zwar ist Graffiti-Malerei SABERS Schwerpunkt, doch er durchforscht auch andere künstlerische Wege. Bekannt sind beispielsweise seine surrealen Landschaften, die er aus den Tiefen seiner Psyche zieht. Gleichermaßen ist er bekannt für seine bahnbrechenden Metall- und Holz-Skulpturen, die auf abstrakten Buchstabenformen und sorgfältig hyper-realistischen Gemälden basieren.
SABER arbeitet derzeit an der Veröffentlichung seiner 168-seitigen Monographie mit dem Namen SABER: MAD SOCIETY, die von Gingko Press, R77, und Boost Mobile veröffentlicht wird. Das Buch erzählt Geschichten aus seiner Kindheit, über Kunst und seine Graffiti Missgeschicke.

Kofie One
Los Angeles, Kalifornien

Inspiriert von den Erinnerungen aus seiner Kindheit an Spielzeuge wie Legosteine & Holzklötze, vereint Kofie in seinen Arbeiten Stimmungen aus dem Kubismus, der abstrakten Kunst sowie der Architektur. Als Autodidakt produziert er seit mehr als 15 Jahren verschiedene Werke in seiner Heimatstadt Los Angeles, sowohl alleine als auch mit ausgewählten kreativen Kollegen.

Sein lebenslanges Interesse für Audiovisuelle Rückstände aus der Vergangenheit spiegeln diesen Enthusiasmus in Kofies Werken wider. Seine Arbeiten koppeln unterschiedliche Genres wie beispielsweise den West Coast Hard-Edge, Futurismus, Niederländische Moderne und auch die Westküsten Graffiti Kunst-Bewegung, mit welchen er Mitte der 90er Jahre seine ersten Achtungserfolge erzielte.

Seine automatistisch kreativen Prozesse sind unverkennbar und zeigen die eindeutige
Wertschätzung an die klare Linie in seinen Arbeiten. Die Nutzung der natürlichen Farb-Paletten, die Schichtung und Platzierung, sowie der kreative Entstehungsprozess wird als Ganzes abgebildet. Hierbei gibt er der analogen Fertigung seiner Bilder im Vintage Stil stets eine Vormachtstellung anstelle von digitalem Copy & Paste Produktionsdesign.

Kofies Kunstwerke betonen insbesondere viel Tiefe, Bewegung & etwas futuristisches wie Wachstum. Dennoch haben seine Arbeiten eine unheimliche Ähnlichkeit mit den flüchtigen Arbeiten die man aus den 60er oder 70er Jahren kennt.

Kofie One
Los Angeles, Kalifornien

Inspiriert von den Erinnerungen aus seiner Kindheit an Spielzeuge wie Legosteine & Holzklötze, vereint Kofie in seinen Arbeiten Stimmungen aus dem Kubismus, der abstrakten Kunst sowie der Architektur. Als Autodidakt produziert er seit mehr als 15 Jahren verschiedene Werke in seiner Heimatstadt Los Angeles, sowohl alleine als auch mit ausgewählten kreativen Kollegen.

Sein lebenslanges Interesse für Audiovisuelle Rückstände aus der Vergangenheit spiegeln diesen Enthusiasmus in Kofies Werken wider. Seine Arbeiten koppeln unterschiedliche Genres wie beispielsweise den West Coast Hard-Edge, Futurismus, Niederländische Moderne und auch die Westküsten Graffiti Kunst-Bewegung, mit welchen er Mitte der 90er Jahre seine ersten Achtungserfolge erzielte.

Seine automatistisch kreativen Prozesse sind unverkennbar und zeigen die eindeutige
Wertschätzung an die klare Linie in seinen Arbeiten. Die Nutzung der natürlichen Farb-Paletten, die Schichtung und Platzierung, sowie der kreative Entstehungsprozess wird als Ganzes abgebildet. Hierbei gibt er der analogen Fertigung seiner Bilder im Vintage Stil stets eine Vormachtstellung anstelle von digitalem Copy & Paste Produktionsdesign.

Kofies Kunstwerke betonen insbesondere viel Tiefe, Bewegung & etwas futuristisches wie Wachstum. Dennoch haben seine Arbeiten eine unheimliche Ähnlichkeit mit den flüchtigen Arbeiten die man aus den 60er oder 70er Jahren kennt.

Philip Straub,
Santa Monica, USA

Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.

Jack Long
Los Angeles. Kalifornien

Jack Long wuchs in West Chester, Pennsylvania auf. Er erhielt seinen BFA von der Rhode Island School of Design im Jahr 2002. Seine Malerei in Öl auf Holz stützt sich auf die Tradition des Geschichtenerzählens. In seinen Werken nutzt er die Motive und Bilder aus der Mythologie der Märchen. Seine Bilder spiegeln die moderne Welt durch einen geheimnisvollen Spiegel wider. Themen wie die der Gemeinschaft, der Nachhaltigkeit, des Konflikts, sowie der Liebe scheinen hier alle erforscht.

Diese fantastischen und mythologischen Bilder von der Natur, der Gesellschaft und unserer eigenen Lebensräume werden umgewandelt und dem Beobachter so präsentiert, als würde der Künstler diese Welt aus unserer inneren Sichtweise betrachten.

Jack Long
Los Angeles. Kalifornien

Jack Long wuchs in West Chester, Pennsylvania auf. Er erhielt seinen BFA von der Rhode Island School of Design im Jahr 2002. Seine Malerei in Öl auf Holz stützt sich auf die Tradition des Geschichtenerzählens. In seinen Werken nutzt er die Motive und Bilder aus der Mythologie der Märchen. Seine Bilder spiegeln die moderne Welt durch einen geheimnisvollen Spiegel wider. Themen wie die der Gemeinschaft, der Nachhaltigkeit, des Konflikts, sowie der Liebe scheinen hier alle erforscht.

Diese fantastischen und mythologischen Bilder von der Natur, der Gesellschaft und unserer eigenen Lebensräume werden umgewandelt und dem Beobachter so präsentiert, als würde der Künstler diese Welt aus unserer inneren Sichtweise betrachten.

Dan May
Atlanta, USA

Dan May bringt eine Reihe von potenten Bildern seiner Forschungen und Dokumentationen aus einer Welt, irgendwo parallel zu unserer eigenen. Die scheinbar spielerisch wirkenden Kreaturen bewohnen seine tendenziell lebhaften Welten und scheinen die Qualität typischer Monster aufzuweisen, die unser breites menschliches Spektrum an Emotionen und Unvollkommenheiten widerspiegeln. Im wesentlichen Fokus von Dan Mays "Biestern" stehen die Kernkonflikte der menschlichen Natur. Seine Kunstwerke wurden bereits auf den Seiten zahlreicher Publikationen gezeigt und erhielten in Galerien der gesamten USA sowie im Ausland diverse Auszeichnungen. Er erhielt Auszeichnungen von Communication Arts Illustration Annual and American Illustration. Dan lebt und arbeitet in Atlanta, Georgia mit seiner schönen und inspirierenden Frau Kendal sowie seinen beiden Vögeln Feisty & Jax.

Damon Soule
New York, USA

Als Kind war Damon Soule (geb. 1974) oftmals so vertieft in seine Zeichnungen, dass diese zu einer richtigen Ablenkung für ihn wurden. Im Alter von 16 Jahren brach er die Schule ab und entschied sich unmittelbar für den zweiten Bildungsweg auf der General Educational Development (GED). Im Alter von 19 Jahren zog Damon lediglich mit 300 Dollar, einer gepackten Tasche mit Kleidung und einer kleinen Auswahl an Kunstzubehör nach San Francisco, CA und immatrikulierte sich zu einem fachübergreifenden Programm auf dem San Francisco Art Institute.

Im Jahre 1996 wurde Soule Art Director und war Co-Gründer von FIT Skateboards & Civilian Clothing. Nachdem er einige Jahre die Leitung für diverse Marken hatte, entschied er sich dazu seinen Anteil des Geschäftes zu verkaufen und Vollzeit seine Kunst zu verfolgen.

Seine Gemälde und Zeichnungen wurden schon bei diversen Gruppenausstellungen, wie zum Beispiel in San Franciscos 111 Minna Gallery, White Walls, Punch-Galerie, Southern Exposure Gallery, Rizzoli Galerie, Kultur-Cache, New Langton Arts (I Dart SF, 2003) und Yerba Buena Center für Kunst ausgestellt. Jüngste Ausstellungen zeigen auch neue gemeinsame Arbeiten mit Oliver Vernon und Damon Soule in der BLVD Gallery, Seattle (2007) und Werke in der Green Kunstausstellung bei der Robert Berman Gallery in Santa Monica (2007), sowie Geschichten aus dem Wunderland in der Dorothy Circus Gallery in Rom, Italien (2008).

Lyle Owerko
New York City, USA

Lyle Owerko ist Fotograf und Filmemacher mit einem vielfältigen Spektrum an Klienten. Diese beinhalten die wichtigsten Marken, Unternehmen und Menschenrechtsgruppen. Seine sachkundige Wahrnehmung drückt sich aus in seinen intuitiven und technisch gefertigten Bildern, die mittlerweile den Einzug gefunden haben in die Lexika der Popkultur und des Foto-Journalismus.

Jason Freeny
New York, USA

Geboren 1970 außerhalb von Washington D.C. als Sohn eines Hippies und als der jüngste von drei Geschwistern. Meine ersten Einführungen in die Welt der Kunst, erhielt ich von meinem Vater, der Professor für Kunst (Malerei & Bildhauerei) auf der University of Maryland war. Im realen Leben arbeitete ich in New York City als Designer und freiberuflicher Illustrator. Meine Nächte verbrachte ich gebeugt über der Mouse und meinem Computer Keyboard, wo ich meine Pastellfarbenen "Werke des Wahnsinns" entwickelte während ich mit meiner kleinen Tochter Cartoons anschaute. Darüber hinaus sammle ich völlig überteuerte Designer Spielsachen.

Design von GelaSkins

Jeff Wood
Commerce, US

Die Stücke welche Jeff Wood und Drowning Creek Studios kreieren sind ursprünglich Premium Poster. Hierbei mischen sie außergewöhnliche Illustrationen, spezielle Tinte, die neuesten Drucktechniken und ganz besondere Papierarten. Der Gesamtprozess ist dann eine sehr aufwendige und laborintensive Prozedur, doch die Leute erkennen und mögen genau dies an den Kunstwerken. Drowning Creek hat schon für eine Vielzahl namhafter Bands wie 311, Gorillaz, Allman Brothers und Widespread Panic gearbeitet. Mit dieser Liste an Kunden hat sich Drowning Creek professionell qualifiziert und sich völlig ausgereift dem Rock n’ Roll verschrieben.

BUA
Los Angeles, USA

1968 geboren in New York Citys ungezähmter Upper West Side wuchs er auf zwischen Manhattan, East Flatbush und Brooklyn. BUA war fasziniert vom authentischen Street Life dieser Stadt. Er besuchte die Fiorello H. LaGuardia Schule für Musik und darstellende Kunst. Dabei ergänzte er seine Ausbildung durch Graffiti sprühen und diverse Auftritte mit Break Dance Künstlern. BUA wechselte dann zum Art Center College of Design nach Pasadena / California, wo er einige Auszeichnungen aus der kommerziellen Kunstszene erhielt. BUA hat schon unzählige Projekte illustriert, angefangen von Skateboards über diverse Werbekampagnen.
So entwickelte er beispielsweise auch das Look & Feel der Opening Sequenz von MTV’s Lyricist’s Lounge Show, oder EA Sports Videogames sowie NFL Street. Derzeit lehrt er das Figuren zeichnen und setzt maßgebliche Impulse als Innovator in der kommerziellen als auch der bildenden Kunstszenerie.

Andy Kehoe
Portland, OR

Als Junge hat Andy Kehoe davon geträumt ein Motorrad-Stuntman in einem John Woo-Action-Film zu werden. Im Mai 1998 empfahl ihn dann ein Freund aus der Branche und er bekam endlich seinen „Shot“. Er war Motorrad Gangster # 3 in einem Low-Budget-Aktion-Film in welchem er einen asiatischen Typ in der Hauptrolle spielte.
Andy verbrachte vier Monate mit seiner Ausbildung hierfür und ließ sich einen Schnurrbart wachsen. Seine Fähigkeiten? Ausgezeichnet! Sein Blick? Perfekt.
Dann kam der große Augenblick. Ein Stunt bei dem Andy eine Rampe mit moderater Geschwindigkeit über explodierende Fässer springt, während er dabei mit einem Maschinengewehr wild in der Luft herumschießt. Anstatt nervös zu sein, ging Andy mit der mutigen aber dummen Fuck-It-All Einstellung an die Sache heran. Dies führte unweigerlich zu einigen sehr schlechten und bis heute unerklärlichen Entscheidungen. Als der RegisseurAction rief, legte Andy los und erreichte innerhalb von Sekunden die lächerliche Geschwindigkeit von ca. 110 km/h, natürlich sehr zum Erstaunen des Regisseurs. Andy feuerte mit zwei Faustfeuerwaffen anstelle der Maschinengewehre und trug keinen Helm. Er schaffte es das Bike freihändig in einem wheelie zu fahren, bevor er mit dieser unglaublichen Geschwindigkeit auf die Rampe fuhr. Die Fässer explodierten exakt zum richtigen Zeitpunkt in einem unglaublichen Feuerball. Die Explosion war so heiß, dass sie die Hälfte von Andys Schnurrbart verbrannte, dadurch geriet er natürlich ins schleudern. Er verpasste die Landungszone um weit über 90 Meter und stürzte in eine Pferdekoppel, wobei ein Pferd zu schaden kam und in zwei Hälften gerissen wurde. Irgendwie kam Andy nur mit leichten Verletzungen davon. Nun hatte er den Ruf weg rücksichtslos zu sein und wurde als eine "Eine Schande" bezeichnet. Er arbeitete von da an nie wieder im Showbiz. Andy Kehoe lebt heute in Portland, OR und macht lebendige Kunst.

Lawrence Yang
San Francisco, US

Lawrence ringt tagsüber mit der Gewinnung aussagekräftiger Eindrücke und bringt dann bei Nacht die Dämonen aus seinem Kopf auf die Leinwand. Seine analoge Kunst beinhaltet Graffiti Einflüsse, wie auch asiatische Impressionen und zielt darauf ab, eine Ordnung im Chaos zu kreieren oder umgekehrt. Er arbeitet bevorzugt mit Tinte, Markierstiften und Wasserfarben. Er findet, dass die Beständigkeit der Markierstifte seinen Bildern eine Menge Energie verleiht.

Yoskay Yamamoto
Toba, Japan

Geboren und aufgewachsen ist Yoskay Yamamoto in Toba, Japan. Im Alter von 15 Jahren zog er in die Vereinigten Staaten. Als autodidaktischer Illustrator erweiterte er dort seine künstlerischen Fähigkeiten und verliebte sich in die Pop-Kultur von Kalifornien. Yamamoto entdeckte hier einen Weg die beiden unterschiedlichen kulturellen Hintergründe in seinen Werken symbiotisch zusammenzufassen. Yamamoto mischt hierfür sehr ausbalanciert die nostalgischen Pop-Ikonen Charaktere aus seiner westlichen Wahlheimat mit den traditionellen und mythischen japanischen Elementen. Seine Werke wurden vor kurzem auf Ausstellungen in New York, San Francisco, Boston und Los Angeles vollständig ausverkauft.

Exploding Dog
New York, USA
Seit 1999 zeichnet Sam Brown Graphiken und Bilder für die Webseiten von Exploding Dog. Seine Zeichnungen basieren auf  eingereichten Titeln von Usern und auf den Träumen einer Zukunft, in welchen Hunde, Fische und Roboter die Welt regieren. Die Menschen hingegen sind nur Besucher in diesem Abenteuer.

Alex Noriega
Barcelona, Spanien

Alex Noriega ist ein spanischer Illustrator der in Barcelona geboren und aufgewachsen ist. Er hat schon für viele Magazine und Publikationen gearbeitet. Seine Karriere änderte sich radikal in den letzten Jahren, als er als Designer für die Modeindustrie tätig wurde. Seine arbeiten sind auf T-Shirts, Buttons Geldbörsen und Postkarten zu sehen. Er mag es impulsiv, zufällig und albern zu malen und sein Ziel ist es jeden Tag mindestens ein Männchen zu malen.

Alex Noriega
Barcelona, Spanien

Alex Noriega ist ein spanischer Illustrator der in Barcelona geboren und aufgewachsen ist. Er hat schon für viele Magazine und Publikationen gearbeitet. Seine Karriere änderte sich radikal in den letzten Jahren, als er als Designer für die Modeindustrie tätig wurde. Seine arbeiten sind auf T-Shirts, Buttons Geldbörsen und Postkarten zu sehen. Er mag es impulsiv, zufällig und albern zu malen und sein Ziel ist es jeden Tag mindestens ein Männchen zu malen.

Alex Noriega
Barcelona, Spanien

Alex Noriega ist ein spanischer Illustrator der in Barcelona geboren und aufgewachsen ist. Er hat schon für viele Magazine und Publikationen gearbeitet. Seine Karriere änderte sich radikal in den letzten Jahren, als er als Designer für die Modeindustrie tätig wurde. Seine arbeiten sind auf T-Shirts, Buttons Geldbörsen und Postkarten zu sehen. Er mag es impulsiv, zufällig und albern zu malen und sein Ziel ist es jeden Tag mindestens ein Männchen zu malen.

Exploding Dog
New York, USA
Seit 1999 zeichnet Sam Brown Graphiken und Bilder für die Webseiten von Exploding Dog. Seine Zeichnungen basieren auf  eingereichten Titeln von Usern und auf den Träumen einer Zukunft, in welchen Hunde, Fische und Roboter die Welt regieren. Die Menschen hingegen sind nur Besucher in diesem Abenteuer.

Derek Prospero
Tampa, USA

Derek Prospero hat seit 1995 an 7 Tagen in der Woche mit Photoshop gearbeitet. Er hat an hunderten von Web, Druck und Multimedia Projekten als Freiberufler mitgewirkt. Dabei hat er eine starke Leidenschaft für visuelles Design entwickelt. Für etwa 4 Jahre hat Derek Fortgeschrittene Photoshop-benutzer am New England Institute für Technologie und am Palm Beach Community College unterrichtet. Seine Kunst wurde in dutzenden von internationalen Büchern und Magazinen gezeigt. Seine Werke waren mit entsprechenden Artikeln versehen, die mit ihrer Schritt für Schritt Anleitung oft auch als Ratgeber von aufstrebenden Künstlern genutzt wurden. Er hat den Prestigeträchtigen Photoshop Guru Award der jährlich von der National Association of Photoshop Professionals verliehen wird. Darüber hinaus ist er der Erfinder der umjubelten Dilly Rink Icon Collection. Auf seiner Website bietet er Clip Art Pakete für Digitale Künstler an. Unter anderem auch seine Motherboard Kollektion die er als kreativen Beitrag für GelaSkins kreierte.