Unsere GelaSkins für 15" MacBook und Powerbook machen deinen Laptop zum absoluten Hingucker und Kunstwerk. GelaSkins sind jederzeit rückstandsfrei zu entfernen, wenn du ein Design gegen ein Neues austauschen möchtest.
Amy Sol verbrachte Ihre Kindheit in Korea und zog dann um nach Las Vegas in Nevada. Dort lebt und arbeitet sie derzeit. Ihr Stil ist stark beeinflusst von einer Kombination aus Manga, Folk Art, altmodischer Illustration und modernem Design. Sie ist nach wie vor eine auto-didaktische Künstlerin. Über viele Jahre hinweg, hat sie viel Zeit mit dem richtigen mischen und herstellen einer Farbpalette verbracht die aus kaum merklichen und gedeckten Farben besteht. Sol arbeitet von Anfang bis Ende intuitiv an jedem Kunstwerk. Hierbei legt Sie großen Wert darauf, dass jeder Betrachter eine subjektive Interpretation oder Aussage über ihr Gemälde treffen soll. In Ihren Arbeiten erkennt man oft skurrile Landschaften, die bevölkert sind mit exotischen Pflanzen, Tieren oder Frauen. Inmitten der Charakteristik eines jeden Bildes, spürt man eine friedvolle Reflektion und Gemeinschaft.
Alex Grey wurde in Columbus, Ohio am 29. November 1953 geboren und ist verheiratet mit Allyson Rymland Grey.
Grey war 10 Jahre Ausbilder für Künstlerische Anatomie, Figuren Plastiken und Skulpturen an der New York University. Heute lehrt er Kurse in Visionary Art mit Allyson am Open Center in New York City, im Naropa Institut in Boulder/ Colorado, sowie am California Institute of Integral Studies und dem Omega Institute in Rhinebeck, New York.
Die Themen Tod und Transzendenz durchweben alle seiner Werke, von den frühesten Zeichnungen, bis hin zu späteren Performances, Malereien sowie der Skulptur Gestaltung. Greys Bilder waren schon auf so unterschiedlichen Medien wie dem Album-Cover von TOOL, SCI, den Beastie Boys und Nirvana zu sehen. Auch im Magazin Newsweek, und auf dem Discovery Channel.
1998 wurde eine große Installation mit dem Titel Herz-Net von Alex und seiner Frau Allyson, im Baltimores American Visionary Art Museum ausgestellt.
1999 in der Mitte seiner Laufbahn, wurde eine Retrospektive von Greys Werken im Museum of Contemporary Art, in San Diego ausgestellt.
Grey ist Mitherausgeber des Buches, Zig Zag Zen-Buddhismus und Psychedelika (erschienen bei Chronicle Books, 2002). Im Jahr 2004 gestaltete er ein sog. VISIONS Box-Set welches ein Portfolio an neuen Werken und seinen gesammelten Werken enthält.
In der Chapel of Sacred Mirrors, COSM, in New York City wurde im Herbst 2004 eine langfristige Ausstellung von 50 seiner Werke über transformative Kunst eröffnet. Alex Grey lebt heute mit seiner Frau, der Malerin, Allyson Grey und seiner Tochter der Schauspielerin Zena Grey in New York.
Alex Grey wurde in Columbus, Ohio am 29. November 1953 geboren und ist verheiratet mit Allyson Rymland Grey.
Grey war 10 Jahre Ausbilder für Künstlerische Anatomie, Figuren Plastiken und Skulpturen an der New York University. Heute lehrt er Kurse in Visionary Art mit Allyson am Open Center in New York City, im Naropa Institut in Boulder/ Colorado, sowie am California Institute of Integral Studies und dem Omega Institute in Rhinebeck, New York.
Die Themen Tod und Transzendenz durchweben alle seiner Werke, von den frühesten Zeichnungen, bis hin zu späteren Performances, Malereien sowie der Skulptur Gestaltung. Greys Bilder waren schon auf so unterschiedlichen Medien wie dem Album-Cover von TOOL, SCI, den Beastie Boys und Nirvana zu sehen. Auch im Magazin Newsweek, und auf dem Discovery Channel.
1998 wurde eine große Installation mit dem Titel Herz-Net von Alex und seiner Frau Allyson, im Baltimores American Visionary Art Museum ausgestellt.
1999 in der Mitte seiner Laufbahn, wurde eine Retrospektive von Greys Werken im Museum of Contemporary Art, in San Diego ausgestellt.
Grey ist Mitherausgeber des Buches, Zig Zag Zen-Buddhismus und Psychedelika (erschienen bei Chronicle Books, 2002). Im Jahr 2004 gestaltete er ein sog. VISIONS Box-Set welches ein Portfolio an neuen Werken und seinen gesammelten Werken enthält.
In der Chapel of Sacred Mirrors, COSM, in New York City wurde im Herbst 2004 eine langfristige Ausstellung von 50 seiner Werke über transformative Kunst eröffnet. Alex Grey lebt heute mit seiner Frau, der Malerin, Allyson Grey und seiner Tochter der Schauspielerin Zena Grey in New York.
Alex Grey wurde in Columbus, Ohio am 29. November 1953 geboren und ist verheiratet mit Allyson Rymland Grey.
Grey war 10 Jahre Ausbilder für Künstlerische Anatomie, Figuren Plastiken und Skulpturen an der New York University. Heute lehrt er Kurse in Visionary Art mit Allyson am Open Center in New York City, im Naropa Institut in Boulder/ Colorado, sowie am California Institute of Integral Studies und dem Omega Institute in Rhinebeck, New York.
Die Themen Tod und Transzendenz durchweben alle seiner Werke, von den frühesten Zeichnungen, bis hin zu späteren Performances, Malereien sowie der Skulptur Gestaltung. Greys Bilder waren schon auf so unterschiedlichen Medien wie dem Album-Cover von TOOL, SCI, den Beastie Boys und Nirvana zu sehen. Auch im Magazin Newsweek, und auf dem Discovery Channel.
1998 wurde eine große Installation mit dem Titel Herz-Net von Alex und seiner Frau Allyson, im Baltimores American Visionary Art Museum ausgestellt.
1999 in der Mitte seiner Laufbahn, wurde eine Retrospektive von Greys Werken im Museum of Contemporary Art, in San Diego ausgestellt.
Grey ist Mitherausgeber des Buches, Zig Zag Zen-Buddhismus und Psychedelika (erschienen bei Chronicle Books, 2002). Im Jahr 2004 gestaltete er ein sog. VISIONS Box-Set welches ein Portfolio an neuen Werken und seinen gesammelten Werken enthält.
In der Chapel of Sacred Mirrors, COSM, in New York City wurde im Herbst 2004 eine langfristige Ausstellung von 50 seiner Werke über transformative Kunst eröffnet. Alex Grey lebt heute mit seiner Frau, der Malerin, Allyson Grey und seiner Tochter der Schauspielerin Zena Grey in New York.
Lawrence ringt tagsüber mit der Gewinnung aussagekräftiger Eindrücke und bringt dann bei Nacht die Dämonen aus seinem Kopf auf die Leinwand. Seine analoge Kunst beinhaltet Graffiti Einflüsse, wie auch asiatische Impressionen und zielt darauf ab, eine Ordnung im Chaos zu kreieren oder umgekehrt. Er arbeitet bevorzugt mit Tinte, Markierstiften und Wasserfarben. Er findet, dass die Beständigkeit der Markierstifte seinen Bildern eine Menge Energie verleiht.
Paul Barnes lebt im Norden von Schottland, wo er Vollzeit malt und seine Kinder erzieht. Seine Werke haben in den letzten Jahren international an Bedeutung und Anerkennung gewonnen. Regelmäßig stellt er seine Bilder in den USA, Großbritannien und Europa aus und ist in den USA durch die Thinkspace Gallery in Los Angeles vertreten.
Seine Arbeit ist zum einen sehr von seinen drei Kindern und seiner Liebe zur Natur inspiriert und zum anderen von der ewigen Suche nach einer Welt, die genährt wird von mehr Wahrheit und Reinheit des Geistes.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Camilla dErrico wurde zur Künstlerin über einen sehr ungewöhnlichen Weg, nämlich über Comics. Zunächst war sie fasziniert von Comics als sie noch auf der High School war. Hier malte sie nur so zum Spaß, Drachen und sexy Mädchen. Ihre Leidenschaft hierfür trieb sie schnell voran, denn die ständige Praxis und ihr Einsatz bescherten Camilla eine blühende Karriere als Comiczeichnerin. Ihre Kreativität und Sensibilität veranlasste sie auch zeitgenössische Kunst zu produzieren. Ihre Bilder zeichnen sich durch eine innere Komplexität aus, welche die gesamte Palette der menschlichen Gefühle ausdrückt und die Seele zu berühren scheint. Emotionaler Reichtum ist eines ihrer Markenzeichen, genau das ist einer der Gründe weshalb sie so erfolgreich ist. Camilla zählt zu den Frauen in der Kunstszene, die man wohl zu der ersten Bewegung in der westlichen Kunstgeschichte zählen kann, als Frauen nicht mehr Bürger zweiter Klasse waren und auch in der Öffentlichkeit den Vorteil einer Frau genossen, wenn es um die Erfassung des Wesentlichen ging.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Das Team von eBoy ist vor allem berühmt für seine Illustrationen, Web-Design, Schriftarten und Spielzeug. Damit hat eBoy inzwischen internationalen Kultstatus erreicht. eBoy gestaltet mehrfach nutzbare Pixel-Objekte, aus welchen sie dann komplexe und erweiterbare Werke erschaffen.
Die eBoy Welt ist einzigartig und wird bewohnt von Robotern, Autos, Waffen und Mädchen, die alle aus Tausenden von Pixeln zusammengebaut wurden. Inspiriert werden eBoy hierbei von unserer heutigen, populären Kultur, welche oft aus Shopping, Supermärkten, Fernseher, LEGO und Computerspielen besteht – diese Einflüsse setzt eBoy in seiner bunten, witzigen, subversiven und verblüffend originellen Bildsprache um.
Das eBoy Markenzeichen sind zweifelsfrei die eCities. Diese sind beherrscht von der Liebe zur Architektur und Gebäuden. Die Inspiration und Herausforderung besteht darin die verschiedenen urbanen Einflüsse zu vereinen und die scheinbar endlos kombinierten Elemente bestehend aus Monstern, schäbigen Bars und Kinos trotzdem sorgfältig detailliert darzustellen.
Das kollektive eBoy Team bestehend aus den Mitgliedern Steffen Sauerteig, Svend Smital und Kai Vermehr, wurde 1998 gegründet. Den drei Männern diente dieses gemeinsame Interesse als Kanal um die aufkeimende Pixel-Art-Bewegung zu erforschen.
Einige der Top-Marken mit welchen eBoy schon gearbeitet hat, sind die New York Times, Nike, Coca-Cola, Honda um nur ein paar der hundert zu nennen. eBoy hat mit seinem Unternehmen Pixel-Kunstgeschichte geschrieben.
Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.
Kenji Hiratas Artwork ist in Form und Farbe sehr stark von der Natur, der Musik und von der handgezeichneten Werbung Südostasiens sowie dem Futurimus inspiriert. Das Thema, welches während der Arbeit durch seinen Körper abläuft ist eine Geschichte die er selbst geschaffen hat, in welchem ein eigenes ganzes Universum existiert. Seine Gemälde, Zeichnungen und Filme bieten Einblicke in dieses Universum.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Als Junge hat Andy Kehoe davon geträumt ein Motorrad-Stuntman in einem John Woo-Action-Film zu werden. Im Mai 1998 empfahl ihn dann ein Freund aus der Branche und er bekam endlich seinen „Shot“. Er war Motorrad Gangster # 3 in einem Low-Budget-Aktion-Film in welchem er einen asiatischen Typ in der Hauptrolle spielte.
Andy verbrachte vier Monate mit seiner Ausbildung hierfür und ließ sich einen Schnurrbart wachsen. Seine Fähigkeiten? Ausgezeichnet! Sein Blick? Perfekt.
Dann kam der große Augenblick. Ein Stunt bei dem Andy eine Rampe mit moderater Geschwindigkeit über explodierende Fässer springt, während er dabei mit einem Maschinengewehr wild in der Luft herumschießt. Anstatt nervös zu sein, ging Andy mit der mutigen aber dummen Fuck-It-All Einstellung an die Sache heran. Dies führte unweigerlich zu einigen sehr schlechten und bis heute unerklärlichen Entscheidungen. Als der RegisseurAction rief, legte Andy los und erreichte innerhalb von Sekunden die lächerliche Geschwindigkeit von ca. 110 km/h, natürlich sehr zum Erstaunen des Regisseurs. Andy feuerte mit zwei Faustfeuerwaffen anstelle der Maschinengewehre und trug keinen Helm. Er schaffte es das Bike freihändig in einem wheelie zu fahren, bevor er mit dieser unglaublichen Geschwindigkeit auf die Rampe fuhr. Die Fässer explodierten exakt zum richtigen Zeitpunkt in einem unglaublichen Feuerball. Die Explosion war so heiß, dass sie die Hälfte von Andys Schnurrbart verbrannte, dadurch geriet er natürlich ins schleudern. Er verpasste die Landungszone um weit über 90 Meter und stürzte in eine Pferdekoppel, wobei ein Pferd zu schaden kam und in zwei Hälften gerissen wurde. Irgendwie kam Andy nur mit leichten Verletzungen davon. Nun hatte er den Ruf weg rücksichtslos zu sein und wurde als eine "Eine Schande" bezeichnet. Er arbeitete von da an nie wieder im Showbiz. Andy Kehoe lebt heute in Portland, OR und macht lebendige Kunst.
Alphonse Maria Mucha wurde geboren am 24. Juli 1860 in der Stadt Ivancice bei Mähren, (Tschechische Republik), welche dann Bestandteil der österreichischen Republik wurde. Er arbeitete in Mähren vor allem als Maler für Theaterdekorationen und wechselte anschließend im Jahre 1879 nach Wien, um für eine führende Theater-Design-Firma zu arbeiten. Als ein Feuer im Jahre 1881 dieses Unternehmen komplett zerstörte, kehrte er nach Mähren zurück, wo Karl Graf Khuen von Mikulov Mucha anbot, sein Schloss Ovany Emmahof in Ungarn mit Wandmalereien zu versehen. Graf Khuen war dermaßen beeindruckt von der Arbeit Muchas, dass er ihm an der Akademie der Bildenden Künste in München die gesamte Ausbildung finanzierte. Im Jahre 1887
zog Mucha nach Paris und setzte sein Studium an der Akademie Mie Academie Julian sowie Colaross fort. Mucha schuf hier eine Vielzahl von Gemälden, Zeichnungen, Entwürfen und Bühnenbildern. Sein Stil wurde später unter der Bezeichnung "Art Nouveau Stil weltbekannt. Der eigene Stil Muchas wurde oft nachgeahmt. In den Jahren 1906 bis 1910 besuchte Mucha die USA, kehrte dann aber wieder in die böhmischen Gefilde zurück, wo er das Prager Theater der Schönen Künste und viele andere Sehenswürdigkeiten der Stadt mit seinen Werken verschönerte. Als die Tschechoslowakei nach dem Ersten Weltkrieg ihre Unabhängigkeit gewann , entwarf Mucha Briefmarken, Banknoten und viele andere Dokumente für die Regierung der neuen Nation.
Ivy mischt sinnliche Materialien wie Bronze Puder und mineralische Pigmente mit ihren Ölen und schafft daraus reich schillernde Bilder, welche die Schönheit und das Geheimnis der natürlichen Welt und der Natur vermitteln. Ivy verliert sich dabei völlig in ihrer Phantasie, und lässt so fantastische, organische Formen und neue Elemente der Flora und Fauna entstehen, diese tragen den unendlichen Möglichkeiten der Natur Rechenschaft.
Ivy studierte Malerei und Druckgrafik am San Francisco Art Institute sowie
an der San Francisco State University. Hier erhielt Sie Ihren Bachelor - Abschluss. Ivys Gemälde wurden schon überall in den Vereinigten Staaten ausgestellt, unter anderem in San Francisco, Los Angeles, New York uvm. Hierdurch konnte Sie schon auf der ganzen Welt Sammler für Ihre Werke gewinnen. Ivy lebt in Oakland, Kalifornien und arbeitet jeweils in ihren Ateliers in Oakland und San Francisco.
Die Idee Michael Miller wurde im Frühjahr 1999 als die Idee von Michael Steiner und Kathy Miller geboren. Zwei Eltern die nicht etwa durch Liebe
und Ehe zueinander gefunden haben, sondern einzig und allein durch den gegenseitigen Respekt zu Ihren jeweiligen professionellen Fähigkeiten.
Um Ihr kleines Start up Unternehmen zu finanzieren, haben Sie ein Darlehen, aufgenommen und sich auch von Ihren Eltern Geld geliehen. Es war sprichwörtlich ein Leben auf Kreditkarte, um der heutigen Unternehmung, Michael Miller Fabrics Leben einzuhauchen.
Das erste Jahr in der freien Wirtschaft erwies sich als ebenso komplex,
wie Erziehung eines Neugeborenen. Es gab oft sehr lange Tage und viele schlaflose Nächte. In Folge der begrenzten finanziellen Mittel, konnten
sich Michael und Kathy keinesfalls die teuren Mieten einer Bürofläche in Manhattan leisten. Kurzum versorgte Michaels Wohnung sie vorerst mit dem Platz, den sie benötigten. Kathy verbrachte lange Tage in der Küche,
welche als Design-Studio diente. Unterdessen kümmerte sich Michael um die Produktion und den Vertrieb im Esszimmer.
So wuchs im Laufe der Zeit das Unternehmen zu einem Team von 30 Personen heran. Heute hat das Unternehmen sein neues eigenes zu Hause in New York City.
Die Idee Michael Miller wurde im Frühjahr 1999 als die Idee von Michael Steiner und Kathy Miller geboren. Zwei Eltern die nicht etwa durch Liebe
und Ehe zueinander gefunden haben, sondern einzig und allein durch den gegenseitigen Respekt zu Ihren jeweiligen professionellen Fähigkeiten.
Um Ihr kleines Start up Unternehmen zu finanzieren, haben Sie ein Darlehen, aufgenommen und sich auch von Ihren Eltern Geld geliehen. Es war sprichwörtlich ein Leben auf Kreditkarte, um der heutigen Unternehmung, Michael Miller Fabrics Leben einzuhauchen.
Das erste Jahr in der freien Wirtschaft erwies sich als ebenso komplex,
wie Erziehung eines Neugeborenen. Es gab oft sehr lange Tage und viele schlaflose Nächte. In Folge der begrenzten finanziellen Mittel, konnten
sich Michael und Kathy keinesfalls die teuren Mieten einer Bürofläche in Manhattan leisten. Kurzum versorgte Michaels Wohnung sie vorerst mit dem Platz, den sie benötigten. Kathy verbrachte lange Tage in der Küche,
welche als Design-Studio diente. Unterdessen kümmerte sich Michael um die Produktion und den Vertrieb im Esszimmer.
So wuchs im Laufe der Zeit das Unternehmen zu einem Team von 30 Personen heran. Heute hat das Unternehmen sein neues eigenes zu Hause in New York City.
Die Idee Michael Miller wurde im Frühjahr 1999 als die Idee von Michael Steiner und Kathy Miller geboren. Zwei Eltern die nicht etwa durch Liebe
und Ehe zueinander gefunden haben, sondern einzig und allein durch den gegenseitigen Respekt zu Ihren jeweiligen professionellen Fähigkeiten.
Um Ihr kleines Start up Unternehmen zu finanzieren, haben Sie ein Darlehen, aufgenommen und sich auch von Ihren Eltern Geld geliehen. Es war sprichwörtlich ein Leben auf Kreditkarte, um der heutigen Unternehmung, Michael Miller Fabrics Leben einzuhauchen.
Das erste Jahr in der freien Wirtschaft erwies sich als ebenso komplex,
wie Erziehung eines Neugeborenen. Es gab oft sehr lange Tage und viele schlaflose Nächte. In Folge der begrenzten finanziellen Mittel, konnten
sich Michael und Kathy keinesfalls die teuren Mieten einer Bürofläche in Manhattan leisten. Kurzum versorgte Michaels Wohnung sie vorerst mit dem Platz, den sie benötigten. Kathy verbrachte lange Tage in der Küche,
welche als Design-Studio diente. Unterdessen kümmerte sich Michael um die Produktion und den Vertrieb im Esszimmer.
So wuchs im Laufe der Zeit das Unternehmen zu einem Team von 30 Personen heran. Heute hat das Unternehmen sein neues eigenes zu Hause in New York City.
Tula Pink ist eine amerikanische Textil-Designerin mit einem schier unerschöpflichen Fundus an Drucken und Mustern.
Sie spielt mit Bildern auf eine Art und Weise wie ein Dichter mit Worten spielt. Scheinbar harmlose traditionelle Designs werden beispielsweise von ihr mit schelmischen kleinen Lebewesen versehen, sowie mit künstlerischem Esprit verfeinert und avancieren damit zu echten Hinguckern.
Tula Pink lebt auf einem Bauernhof in der Mitte von Nirgendwo. Nicht einmal auf einer Karte ist Ihr Ort verzeichnet so verlässt sie nur selten das Haus, aus Angst dass sie verloren gehen könnte. So verbringt Sie ihre Tage mit zeichnen und nähen. Von hier aus hat sie bereits über 200 Stoff-Designs entworfen und produziert, die weltweit verkauft werden.
Tula Pink ist eine amerikanische Textil-Designerin mit einem schier unerschöpflichen Fundus an Drucken und Mustern.
Sie spielt mit Bildern auf eine Art und Weise wie ein Dichter mit Worten spielt. Scheinbar harmlose traditionelle Designs werden beispielsweise von ihr mit schelmischen kleinen Lebewesen versehen, sowie mit künstlerischem Esprit verfeinert und avancieren damit zu echten Hinguckern.
Tula Pink lebt auf einem Bauernhof in der Mitte von Nirgendwo. Nicht einmal auf einer Karte ist Ihr Ort verzeichnet so verlässt sie nur selten das Haus, aus Angst dass sie verloren gehen könnte. So verbringt Sie ihre Tage mit zeichnen und nähen. Von hier aus hat sie bereits über 200 Stoff-Designs entworfen und produziert, die weltweit verkauft werden.
Der in Brooklyn lebende Künstler Oliver Vernon erschafft seine Gemälde und greift hierbei auf einen unglaublich abwechslungsreichen Pool von Einflüssen zurück. Vom Abstrakten Expressionismus bis hin zum Pop-Surrealismus sind das Finish und die polierten Oberflächen seiner Werke dem figurativen Realismus zugeschrieben. Seine Arbeiten zeigen die Dekonstruktion und damit einhergehend den notwendigen Wiederaufbau des visuellen Raumes.
Gillians Leben beeinflusst ihre Kunst insofern, das Sie selbst die dekorative Inspiration in der Welt um sie herum wahrnimmt und in Ihren Werke mit einbringt. Ob es die zarte Form und Farbe eines Blattes oder Blüten aus ihrem Garten sind, oder ein geretteter alter Damast.
Auch fragile, handschriftliche antike Briefe und Postkarten aus dem Ausland zählen dazu. Daraus ergeben sich exquisite Collagen von Stoffen und Papieren im Vintage Stil.
Ebenso von Hand bemalte pflanzliche sowie antike Erinnerungsstücke und Elemente aus der Geschichte und der Natur sind elegant in die Gegenwart Ihrer Arbeiten eingebettet und wirken trotzdem Sie so alt sind völlig modern.
In Gillians Werken finden sich die Inspirationen Ihrer Reisen, sowie die Geschichte der besuchten Orte wieder. Darüber hinaus findet Gillian beim herumstöbern in Antiquitätenläden und Flohmärkten neue
Objekte Ihrer Begierde. Alles in allem erinnern Ihre Kunstwerke an eine längst vergessene Zeit und strahlen eine Atmosphäre aus, als stammen sie von weit entfernten Orten.
Ursprünglich stammt Gillian aus Großbritannien. Mit Ihrem Abschluss in Mode & Textilien aus Brighton University, ist Gillian Gründerin und Creative Director des London Portfolio Design-Studios (est.1986). London Portfolio hat einen internationalen Ruf und zählt zu den Top-Design Adressen in Amerikas Studios für Textildesign. Das Produktportfolio beinhaltet sowohl die Gestaltung von Papierprodukten, sowie Glückwunschkarten, Geschenkpapier, Tüten und Zeitschriften. Aber auch Alben, gerahmte Bilder oder Keramiken. Zur Zeit wohnt Gillian in Basking Ridge New Jersey mit Ihrem Ehemann Neil und ihrem Sohn Sam.
Gillians Leben beeinflusst ihre Kunst insofern, das Sie selbst die dekorative Inspiration in der Welt um sie herum wahrnimmt und in Ihren Werke mit einbringt. Ob es die zarte Form und Farbe eines Blattes oder Blüten aus ihrem Garten sind, oder ein geretteter alter Damast.
Auch fragile, handschriftliche antike Briefe und Postkarten aus dem Ausland zählen dazu. Daraus ergeben sich exquisite Collagen von Stoffen und Papieren im Vintage Stil.
Ebenso von Hand bemalte pflanzliche sowie antike Erinnerungsstücke und Elemente aus der Geschichte und der Natur sind elegant in die Gegenwart Ihrer Arbeiten eingebettet und wirken trotzdem Sie so alt sind völlig modern.
In Gillians Werken finden sich die Inspirationen Ihrer Reisen, sowie die Geschichte der besuchten Orte wieder. Darüber hinaus findet Gillian beim herumstöbern in Antiquitätenläden und Flohmärkten neue
Objekte Ihrer Begierde. Alles in allem erinnern Ihre Kunstwerke an eine längst vergessene Zeit und strahlen eine Atmosphäre aus, als stammen sie von weit entfernten Orten.
Ursprünglich stammt Gillian aus Großbritannien. Mit Ihrem Abschluss in Mode & Textilien aus Brighton University, ist Gillian Gründerin und Creative Director des London Portfolio Design-Studios (est.1986). London Portfolio hat einen internationalen Ruf und zählt zu den Top-Design Adressen in Amerikas Studios für Textildesign. Das Produktportfolio beinhaltet sowohl die Gestaltung von Papierprodukten, sowie Glückwunschkarten, Geschenkpapier, Tüten und Zeitschriften. Aber auch Alben, gerahmte Bilder oder Keramiken. Zur Zeit wohnt Gillian in Basking Ridge New Jersey mit Ihrem Ehemann Neil und ihrem Sohn Sam.
Steadman ist berühmt für seine sozialen und politischen Karikaturen und Cartoons, darüber hinaus zählt eine große Anzahl an Illustrationen für etliche Bücher zu seinen Werken. Ebenso hat er viele Auszeichnungen erhalten unter anderem: Für Francis Williams Book Illustration, Alice in Wonderland, the American Society of Illustrators Certificate of Merit, den W H Smith Illustration Award für I Leonardo, the Dutch Silver Paintbrush Award für Inspector Mouse, den Italian Critica in Erba Prize für Thats My Dad, den BBC Design Award für postage stamps, den Black Humour Award in Frankreich sowie den Art Designer Association Award. 1979 wurde er vom American Institute of Geographic Arts zum Designer des Jahres gekürt. Steadman verbindet eine langjährige Freunschaft mit dem amerikanischen Journalisten Hunter S. Thompson, für den er einige Bilder seiner Artikel und Bücher gemacht hat. Er begleitete Thompson zum Kentucky Derby für einen Artikel des Magazins Scanlans und zum Honolulu Marathon für das Magazin "Running" Ebenso illustrierte er das Buch Fear and Loathing in Las Vegas sowie Fear and Loathing on the Campaign Trail 72.
Paul McGuire lebt in Austin, Texas und ist ein Software-Entwickler und Künstler. Seit Mitte der 1970er Jahre schreibt er Computerprogramme. Mitte der 80er Jahre begann Paul mit fraktalen Verzerrungen von Rechtecken und Dreiecken zu experimentieren und schuf so Pseudo-3D-Bilder aus 2D-Transformationen. Doch damals waren die Bilder nur monochrome Gitter und die verfügbaren Auflösungen waren sehr primitiv. Im Jahr 2008 kam Paul auf sein altes Computerprogramm aus den 1980er Jahren zurück und benutzte es diesmal, um den Prozess der Farbspektren bei seinen fraktalen Verzerrungen mit sehr hohen Auflösungen zu realisieren. Das Resultat sind Bilder deren Muster verblüffende, natürliche Bilder evozieren – so als stammen sie direkt aus der Natur.
Beispielsweise wie der Weg eines Blitzes durch die Luft, oder die Gestaltung einer Küste, eines Bergrückens. - Wogende Wolken in einem Sturm, Rauch eines Feuers, die Strömung von Wasser, oder Formen einer Anhöhe.