"We've teamed up with the companies below to provide an amazing range of artwork that extends far beyond our Artist Gallery. Click on any of the logos below to be transported to a world of goodness."
Christina Song lässt sich bei Ihren Darstellungen von ihrer unmittelbaren Umgebung der Natur und der Tierwelt inspirieren. Song ist der Auffassung, dass die Mehrheit ihrer Werke aus dem Wunsch heraus entstehen zu sammeln, zu improvisieren und zu experimentieren. Sie sieht dies als Chance bestimmte Momente die sie bereits erlebt hat bzw. Ereignisse in der Zukunft, welche Sie gerne noch erleben möchte festzuhalten. Am Ende ist es für Sie ein Privileg, Ihre Erlebnisse zu dokumentieren und mit anderen zu teilen, die es mögen sich inspirieren zu lassen.
Ihre Kunst wurde in verschiedenen Galerien in den USA ausgestellt. Auch kennt man Ihre Werke durch unterschiedliche Publikationen, in Magazinen wie beispielsweise dem 3x3 Magazin für zeitgenössische Illustration, dem Audrey Magazine, der Los Angeles Times, DesignMatters, Vegetarian Times Magazine, Providence Monthly – und vielen mehr.
Christina wurde in Texas geboren und wuchs in Georgia und Kalifornien auf. Heute lebt und arbeitet sie in Brooklyn, New York.
Christina Song lässt sich bei Ihren Darstellungen von ihrer unmittelbaren Umgebung der Natur und der Tierwelt inspirieren. Song ist der Auffassung, dass die Mehrheit ihrer Werke aus dem Wunsch heraus entstehen zu sammeln, zu improvisieren und zu experimentieren. Sie sieht dies als Chance bestimmte Momente die sie bereits erlebt hat bzw. Ereignisse in der Zukunft, welche Sie gerne noch erleben möchte festzuhalten. Am Ende ist es für Sie ein Privileg, Ihre Erlebnisse zu dokumentieren und mit anderen zu teilen, die es mögen sich inspirieren zu lassen.
Ihre Kunst wurde in verschiedenen Galerien in den USA ausgestellt. Auch kennt man Ihre Werke durch unterschiedliche Publikationen, in Magazinen wie beispielsweise dem 3x3 Magazin für zeitgenössische Illustration, dem Audrey Magazine, der Los Angeles Times, DesignMatters, Vegetarian Times Magazine, Providence Monthly – und vielen mehr.
Christina wurde in Texas geboren und wuchs in Georgia und Kalifornien auf. Heute lebt und arbeitet sie in Brooklyn, New York.
Rafa Jenns Entstehung in die Szene der Subkultur zeitgenössischer Kunst beginnt mit - You Know What I Mean - Eine geometrische Interpretation der Mona Lisa, die ubiquitär in der gesamten Kunst-und Design-Blogosphäre verbreitet wurde. Die meisten seiner Print-Ausgaben wurden ausverkauft. Auch Sammler aus der ganzen Welt sind an Rafa Jenns Werken sehr interessiert.
Mit einer Vorliebe für Design, zielt er auf Ur-Themen wie Tod und Eros ab, ohne auf Verschönerungen modischer Motive zu verzichten. Viele seiner Werke scheinen ein - Augenzwinkern - eine kodifizierte Anerkennung eines gemeinsamen Bewusstseins zwischen Künstler und Betrachter zu artikulieren.
Kennzeichnend für seine eigene Handschrift ist, wie er ikonische Bilder beispielsweise von DaVincis Mona Lisa rekonstruiert, oder Warhols Marilyn, und Lucas Darth Vader durch eine Umsetzung mit rhythmischen Mustern und Farbendurchdringungen versieht. Letztlich aber erhält der Künstler seine eigene künstlerische Freiheit, indem er auf die Erforschung unterschiedlicher Stile und Techniken zurückgreift; von spielerischer Geometrie, über minimalistische Dekonstruktion, bis hin zu expressiver Line-Arbeit, verwirklicht er seine Werke so zu der für Ihn richtigen Form.
Rafa Jenns Entstehung in die Szene der Subkultur zeitgenössischer Kunst beginnt mit - You Know What I Mean - Eine geometrische Interpretation der Mona Lisa, die ubiquitär in der gesamten Kunst-und Design-Blogosphäre verbreitet wurde. Die meisten seiner Print-Ausgaben wurden ausverkauft. Auch Sammler aus der ganzen Welt sind an Rafa Jenns Werken sehr interessiert.
Mit einer Vorliebe für Design, zielt er auf Ur-Themen wie Tod und Eros ab, ohne auf Verschönerungen modischer Motive zu verzichten. Viele seiner Werke scheinen ein - Augenzwinkern - eine kodifizierte Anerkennung eines gemeinsamen Bewusstseins zwischen Künstler und Betrachter zu artikulieren.
Kennzeichnend für seine eigene Handschrift ist, wie er ikonische Bilder beispielsweise von DaVincis Mona Lisa rekonstruiert, oder Warhols Marilyn, und Lucas Darth Vader durch eine Umsetzung mit rhythmischen Mustern und Farbendurchdringungen versieht. Letztlich aber erhält der Künstler seine eigene künstlerische Freiheit, indem er auf die Erforschung unterschiedlicher Stile und Techniken zurückgreift; von spielerischer Geometrie, über minimalistische Dekonstruktion, bis hin zu expressiver Line-Arbeit, verwirklicht er seine Werke so zu der für Ihn richtigen Form.
Rafa Jenns Entstehung in die Szene der Subkultur zeitgenössischer Kunst beginnt mit - You Know What I Mean - Eine geometrische Interpretation der Mona Lisa, die ubiquitär in der gesamten Kunst-und Design-Blogosphäre verbreitet wurde. Die meisten seiner Print-Ausgaben wurden ausverkauft. Auch Sammler aus der ganzen Welt sind an Rafa Jenns Werken sehr interessiert.
Mit einer Vorliebe für Design, zielt er auf Ur-Themen wie Tod und Eros ab, ohne auf Verschönerungen modischer Motive zu verzichten. Viele seiner Werke scheinen ein - Augenzwinkern - eine kodifizierte Anerkennung eines gemeinsamen Bewusstseins zwischen Künstler und Betrachter zu artikulieren.
Kennzeichnend für seine eigene Handschrift ist, wie er ikonische Bilder beispielsweise von DaVincis Mona Lisa rekonstruiert, oder Warhols Marilyn, und Lucas Darth Vader durch eine Umsetzung mit rhythmischen Mustern und Farbendurchdringungen versieht. Letztlich aber erhält der Künstler seine eigene künstlerische Freiheit, indem er auf die Erforschung unterschiedlicher Stile und Techniken zurückgreift; von spielerischer Geometrie, über minimalistische Dekonstruktion, bis hin zu expressiver Line-Arbeit, verwirklicht er seine Werke so zu der für Ihn richtigen Form.
Tanya Kartasheva ist eine ukrainische Künstler- und Illustratorin. Sie lernte ihr Handwerk, die Malerei und Zeichnen an der Universität Kiew. Sie lässt sich inspirieren von den Dingen um sie herum, wie der Natur, ihrer nationalen Kultur, der Musik und den Menschen. Tanyas Ziel ist es, mit ihrem künstlerischen Beitrag die Welt ein bisschen besser zu machen.
Tanya Kartasheva ist eine ukrainische Künstler- und Illustratorin. Sie lernte ihr Handwerk, die Malerei und Zeichnen an der Universität Kiew. Sie lässt sich inspirieren von den Dingen um sie herum, wie der Natur, ihrer nationalen Kultur, der Musik und den Menschen. Tanyas Ziel ist es, mit ihrem künstlerischen Beitrag die Welt ein bisschen besser zu machen.
Tanya Kartasheva ist eine ukrainische Künstler- und Illustratorin. Sie lernte ihr Handwerk, die Malerei und Zeichnen an der Universität Kiew. Sie lässt sich inspirieren von den Dingen um sie herum, wie der Natur, ihrer nationalen Kultur, der Musik und den Menschen. Tanyas Ziel ist es, mit ihrem künstlerischen Beitrag die Welt ein bisschen besser zu machen.
Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.
Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.
In den vergangenen zwanzig Jahren hat Warren als praktizierender Architekt und Künstler die Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Warren arbeitet auf internationalem Niveau für viele preisgekrönte Unternehmen. Zum Zeichnen jedoch zieht es ihn immer wieder zurück in seine Heimatstadt, Toronto. Architektur und Kunst sind für Warren zwei Seiten der gleichen Medaille. Es gilt die Einschränkungen der Formen zu erkunden und diese dann für einen individuellen Ausdruck zu nutzen. Seine Arbeiten verschmelzen die Gegensätzlichkeit von Struktur und organischer Formgebung, und lassen daraus das Zusammenleben der Kontraste von Unvorhersehbarem und Übereinstimmung entstehen. Warrens Arbeiten wirken tiefsinnig und eindringlich. Insbesondere im Spiel mit Maßstab und Perspektive unter Berufung auf deren emotionale Reaktion, entdeckt man einen lebendigen, geheimnisvollen und räumlichen Bereich. So entstehen surreale Landschaften, welche zusammen mit flüssigen Komponenten eine vage Andeutung auf gebaute Formen und industrielle Landschaften geben.
In den vergangenen zwanzig Jahren hat Warren als praktizierender Architekt und Künstler die Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Warren arbeitet auf internationalem Niveau für viele preisgekrönte Unternehmen. Zum Zeichnen jedoch zieht es ihn immer wieder zurück in seine Heimatstadt, Toronto. Architektur und Kunst sind für Warren zwei Seiten der gleichen Medaille. Es gilt die Einschränkungen der Formen zu erkunden und diese dann für einen individuellen Ausdruck zu nutzen. Seine Arbeiten verschmelzen die Gegensätzlichkeit von Struktur und organischer Formgebung, und lassen daraus das Zusammenleben der Kontraste von Unvorhersehbarem und Übereinstimmung entstehen. Warrens Arbeiten wirken tiefsinnig und eindringlich. Insbesondere im Spiel mit Maßstab und Perspektive unter Berufung auf deren emotionale Reaktion, entdeckt man einen lebendigen, geheimnisvollen und räumlichen Bereich. So entstehen surreale Landschaften, welche zusammen mit flüssigen Komponenten eine vage Andeutung auf gebaute Formen und industrielle Landschaften geben.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Das Team von eBoy ist vor allem berühmt für seine Illustrationen, Web-Design, Schriftarten und Spielzeug. Damit hat eBoy inzwischen internationalen Kultstatus erreicht. eBoy gestaltet mehrfach nutzbare Pixel-Objekte, aus welchen sie dann komplexe und erweiterbare Werke erschaffen.
Die eBoy Welt ist einzigartig und wird bewohnt von Robotern, Autos, Waffen und Mädchen, die alle aus Tausenden von Pixeln zusammengebaut wurden. Inspiriert werden eBoy hierbei von unserer heutigen, populären Kultur, welche oft aus Shopping, Supermärkten, Fernseher, LEGO und Computerspielen besteht – diese Einflüsse setzt eBoy in seiner bunten, witzigen, subversiven und verblüffend originellen Bildsprache um.
Das eBoy Markenzeichen sind zweifelsfrei die eCities. Diese sind beherrscht von der Liebe zur Architektur und Gebäuden. Die Inspiration und Herausforderung besteht darin die verschiedenen urbanen Einflüsse zu vereinen und die scheinbar endlos kombinierten Elemente bestehend aus Monstern, schäbigen Bars und Kinos trotzdem sorgfältig detailliert darzustellen.
Das kollektive eBoy Team bestehend aus den Mitgliedern Steffen Sauerteig, Svend Smital und Kai Vermehr, wurde 1998 gegründet. Den drei Männern diente dieses gemeinsame Interesse als Kanal um die aufkeimende Pixel-Art-Bewegung zu erforschen.
Einige der Top-Marken mit welchen eBoy schon gearbeitet hat, sind die New York Times, Nike, Coca-Cola, Honda um nur ein paar der hundert zu nennen. eBoy hat mit seinem Unternehmen Pixel-Kunstgeschichte geschrieben.
Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.
Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.
Die Idee Michael Miller wurde im Frühjahr 1999 als die Idee von Michael Steiner und Kathy Miller geboren. Zwei Eltern die nicht etwa durch Liebe
und Ehe zueinander gefunden haben, sondern einzig und allein durch den gegenseitigen Respekt zu Ihren jeweiligen professionellen Fähigkeiten.
Um Ihr kleines Start up Unternehmen zu finanzieren, haben Sie ein Darlehen, aufgenommen und sich auch von Ihren Eltern Geld geliehen. Es war sprichwörtlich ein Leben auf Kreditkarte, um der heutigen Unternehmung, Michael Miller Fabrics Leben einzuhauchen.
Das erste Jahr in der freien Wirtschaft erwies sich als ebenso komplex,
wie Erziehung eines Neugeborenen. Es gab oft sehr lange Tage und viele schlaflose Nächte. In Folge der begrenzten finanziellen Mittel, konnten
sich Michael und Kathy keinesfalls die teuren Mieten einer Bürofläche in Manhattan leisten. Kurzum versorgte Michaels Wohnung sie vorerst mit dem Platz, den sie benötigten. Kathy verbrachte lange Tage in der Küche,
welche als Design-Studio diente. Unterdessen kümmerte sich Michael um die Produktion und den Vertrieb im Esszimmer.
So wuchs im Laufe der Zeit das Unternehmen zu einem Team von 30 Personen heran. Heute hat das Unternehmen sein neues eigenes zu Hause in New York City.
Die Idee Michael Miller wurde im Frühjahr 1999 als die Idee von Michael Steiner und Kathy Miller geboren. Zwei Eltern die nicht etwa durch Liebe
und Ehe zueinander gefunden haben, sondern einzig und allein durch den gegenseitigen Respekt zu Ihren jeweiligen professionellen Fähigkeiten.
Um Ihr kleines Start up Unternehmen zu finanzieren, haben Sie ein Darlehen, aufgenommen und sich auch von Ihren Eltern Geld geliehen. Es war sprichwörtlich ein Leben auf Kreditkarte, um der heutigen Unternehmung, Michael Miller Fabrics Leben einzuhauchen.
Das erste Jahr in der freien Wirtschaft erwies sich als ebenso komplex,
wie Erziehung eines Neugeborenen. Es gab oft sehr lange Tage und viele schlaflose Nächte. In Folge der begrenzten finanziellen Mittel, konnten
sich Michael und Kathy keinesfalls die teuren Mieten einer Bürofläche in Manhattan leisten. Kurzum versorgte Michaels Wohnung sie vorerst mit dem Platz, den sie benötigten. Kathy verbrachte lange Tage in der Küche,
welche als Design-Studio diente. Unterdessen kümmerte sich Michael um die Produktion und den Vertrieb im Esszimmer.
So wuchs im Laufe der Zeit das Unternehmen zu einem Team von 30 Personen heran. Heute hat das Unternehmen sein neues eigenes zu Hause in New York City.
Ivy mischt sinnliche Materialien wie Bronze Puder und mineralische Pigmente mit ihren Ölen und schafft daraus reich schillernde Bilder, welche die Schönheit und das Geheimnis der natürlichen Welt und der Natur vermitteln. Ivy verliert sich dabei völlig in ihrer Phantasie, und lässt so fantastische, organische Formen und neue Elemente der Flora und Fauna entstehen, diese tragen den unendlichen Möglichkeiten der Natur Rechenschaft.
Ivy studierte Malerei und Druckgrafik am San Francisco Art Institute sowie
an der San Francisco State University. Hier erhielt Sie Ihren Bachelor - Abschluss. Ivys Gemälde wurden schon überall in den Vereinigten Staaten ausgestellt, unter anderem in San Francisco, Los Angeles, New York uvm. Hierdurch konnte Sie schon auf der ganzen Welt Sammler für Ihre Werke gewinnen. Ivy lebt in Oakland, Kalifornien und arbeitet jeweils in ihren Ateliers in Oakland und San Francisco.
Ivy mischt sinnliche Materialien wie Bronze Puder und mineralische Pigmente mit ihren Ölen und schafft daraus reich schillernde Bilder, welche die Schönheit und das Geheimnis der natürlichen Welt und der Natur vermitteln. Ivy verliert sich dabei völlig in ihrer Phantasie, und lässt so fantastische, organische Formen und neue Elemente der Flora und Fauna entstehen, diese tragen den unendlichen Möglichkeiten der Natur Rechenschaft.
Ivy studierte Malerei und Druckgrafik am San Francisco Art Institute sowie
an der San Francisco State University. Hier erhielt Sie Ihren Bachelor - Abschluss. Ivys Gemälde wurden schon überall in den Vereinigten Staaten ausgestellt, unter anderem in San Francisco, Los Angeles, New York uvm. Hierdurch konnte Sie schon auf der ganzen Welt Sammler für Ihre Werke gewinnen. Ivy lebt in Oakland, Kalifornien und arbeitet jeweils in ihren Ateliers in Oakland und San Francisco.
Tula Pink ist eine amerikanische Textil-Designerin mit einem schier unerschöpflichen Fundus an Drucken und Mustern.
Sie spielt mit Bildern auf eine Art und Weise wie ein Dichter mit Worten spielt. Scheinbar harmlose traditionelle Designs werden beispielsweise von ihr mit schelmischen kleinen Lebewesen versehen, sowie mit künstlerischem Esprit verfeinert und avancieren damit zu echten Hinguckern.
Tula Pink lebt auf einem Bauernhof in der Mitte von Nirgendwo. Nicht einmal auf einer Karte ist Ihr Ort verzeichnet so verlässt sie nur selten das Haus, aus Angst dass sie verloren gehen könnte. So verbringt Sie ihre Tage mit zeichnen und nähen. Von hier aus hat sie bereits über 200 Stoff-Designs entworfen und produziert, die weltweit verkauft werden.
Die Themen in Audrey Kawasakis Arbeiten sind in sich gegensätzlich. Ihre Kunst ist beides: Unschuldig und erotisch attraktiv und zerstörend zugleich. Audreys präziser technischer Malstil ist zum einen inspiriert von Manga Comics und zum anderen von Art Nouveau. Ihre genaue grafische Metaphorik gepaart mit der natürlichen Körnung der Holzoberfläche, auf welcher sie malt, ergibt einen unerwarteten warmen und enigmatischen Ausdruck bei ihren Werken.
Brian M. Viveros ist international bekannt für seine erotischen Gemälde und seine rehäugigen Schönheiten deren Marlboros verführerisch von ihren Lippen baumeln. Seit kurzem hat er das Medium Film für sich entdeckt und nutzt die beeindruckenden Stimmungen, welche vor seinem inneren geistigen Auge erscheinen, um diese dann in seinen Gemälden auszudrücken. Seine Werke sind eine satte Mischung aus Öl, Airbrush, Acryl und Tinte. In seinen Arbeiten, wirft Viveros ein Licht auf seine eigenen inneren Welten und die Gesellschaft in der er lebt. Insgesamt zielt er darauf ab auch dass blasierteste Auge mit seinen Bildern zu fesseln.
Brian M. Viveros ist international bekannt für seine erotischen Gemälde und seine rehäugigen Schönheiten deren Marlboros verführerisch von ihren Lippen baumeln. Seit kurzem hat er das Medium Film für sich entdeckt und nutzt die beeindruckenden Stimmungen, welche vor seinem inneren geistigen Auge erscheinen, um diese dann in seinen Gemälden auszudrücken. Seine Werke sind eine satte Mischung aus Öl, Airbrush, Acryl und Tinte. In seinen Arbeiten, wirft Viveros ein Licht auf seine eigenen inneren Welten und die Gesellschaft in der er lebt. Insgesamt zielt er darauf ab auch dass blasierteste Auge mit seinen Bildern zu fesseln.
Paul McGuire lebt in Austin, Texas und ist ein Software-Entwickler und Künstler. Seit Mitte der 1970er Jahre schreibt er Computerprogramme. Mitte der 80er Jahre begann Paul mit fraktalen Verzerrungen von Rechtecken und Dreiecken zu experimentieren und schuf so Pseudo-3D-Bilder aus 2D-Transformationen. Doch damals waren die Bilder nur monochrome Gitter und die verfügbaren Auflösungen waren sehr primitiv. Im Jahr 2008 kam Paul auf sein altes Computerprogramm aus den 1980er Jahren zurück und benutzte es diesmal, um den Prozess der Farbspektren bei seinen fraktalen Verzerrungen mit sehr hohen Auflösungen zu realisieren. Das Resultat sind Bilder deren Muster verblüffende, natürliche Bilder evozieren – so als stammen sie direkt aus der Natur.
Beispielsweise wie der Weg eines Blitzes durch die Luft, oder die Gestaltung einer Küste, eines Bergrückens. - Wogende Wolken in einem Sturm, Rauch eines Feuers, die Strömung von Wasser, oder Formen einer Anhöhe.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Um zu beweisen, dass sie mit Sicherheit verrückt waren, entschieden die beiden Künstler Eric und Julie Comstock, ihre eigene Firma zu gründen. Im Jahr 2006 auf einer Handwerk und Hobby Messe, starteten sie mit der Marke Cosmo Cricket, und stellten ihre besten Geschenkboxen und Geschenkpapiere aus. Die Idee dahinter war, Ihre schönsten Geschenkboxen sowie Geschenkpapiere mit den tollsten Verzierungen zu verkaufen und natürlich Spaß dabei zu haben. Die Dinge nahmen schnell ihren Lauf und jetzt, fünf Jahre später ist Cosmo Cricket führend in diesem Handwerk. Deshalb gründeten Sie gleich noch zwei weitere Firmen: Eray Designs und Designed by Julie Comstock. GelaSkins bietet Euch einige Designs aus der Cosmo Cricket-Bibliothek, mit frischen grafischen Mustern und Bildern sowie Vintage Drucken.
Caia Koopman ist in Kalifornien / Livermore geboren. Sie studierte Kunst und erwarb einen B.A. an der University Santa Cruz, Kalifornien, USA.
Caias Bilder wurden bisher oft kommerziell genutzt und seit vielen Jahren als Grafik für Snowboards, Skateboards und Wakeboards genutzt u.a. für große Firmen wie K2, Morrow und Hyperlite. Caias wurde auch von "MTV Sports" unterstützt als Sportler/Künstler wg. Ihres Snowboardings und Ihrer Malerei.
Caia hat ihre Bilder schon in einer Reihe von Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt in jüngster Zeit in der Galerie La Luz de Jesus in LA. Zur Zeit arbeitet sie als freiberufliche Illustratorin und Malerin in Kalifornien/Oceanside.
Caia ist inspiriert von der Natur, Träumen, Politik und dem Leben.
Joan Saló stammt ursprünglich aus der Stadt Igualada außerhalb von Barcelona. Im Jahr 2001 zog er jedoch nach Barcelona um bildende Kunst zu studieren. Von dort aus wechselte er dann, um weiter zu studieren nach Sevilla und Bologna. Zu diesem Zeitpunkt in seiner Karriere entwickelten sich seine Arbeiten hin zu einem - bildnerischen fühlen -.
Im Jahr 2008 entwickelte er seine Arbeit auf dem gleichen Weg weiter. Inspirationen hierfür erhielt er aus der Umgebung der irischen Stadt Galway. Das Zentrum seiner jüngsten Werke will die Aspekte der Flüchtigkeit von Zeit darstellen, sowie deren Strukturen im abstrakten Sinn. Joan lebt und arbeitet derzeit in Barcelona und Berlin.
Lawrence ringt tagsüber mit der Gewinnung aussagekräftiger Eindrücke und bringt dann bei Nacht die Dämonen aus seinem Kopf auf die Leinwand. Seine analoge Kunst beinhaltet Graffiti Einflüsse, wie auch asiatische Impressionen und zielt darauf ab, eine Ordnung im Chaos zu kreieren oder umgekehrt. Er arbeitet bevorzugt mit Tinte, Markierstiften und Wasserfarben. Er findet, dass die Beständigkeit der Markierstifte seinen Bildern eine Menge Energie verleiht.
In Philadelphia geboren, aber aufgewachsen in Fresno,s begann Luke Chueh (sprich: CHU) seine formelle künstlerische Ausbildung und beendete sie an der California Polytechnic State University, San Luis Obipso wo er seinen BS in Kunst & Design (Grafik-Design-Konzentration) erwarb. Vor seinem Studium war er bei der Ernie Ball-Gesellschaft als Designer / Illustrator tätig. Chueh war hier schon verantwortlich für etliche preisgekrönte Designs und wurde in die Gestaltung der einjährigen Communication Arts-and-Print-Magazine eingebunden. Gleichzeitig erstellt, produziert, schreibt, konzipiert, bearbeitet und veröffentlicht "EXP", ein "Magazine das sich dem " Intelligent Dance Music (IDM) "Genre widmet.
2003, zog Chueh nach Los Angeles um seine Karriere im Bereich des Designs weiter zu verfolgen. Aus Mangel an Beschäftigungsmöglichkeiten nutzte er die Malerei als eine Möglichkeit sich zu beschäftigen. Seine Karriere als Künstler begann bei der Los Angeles U-Kunst Premiereausstellung bei Cannibal Blumen, für die er eine Einladung erhielt monatlich seine Werke zu präsentieren. Seitdem hat Chueh es schnell geschafft seinen Weg bis in die Reihen der LA Kunstszene zu finden und kann als etablierter Künstler nicht mehr außer Acht gelassen werden. Durch den Einsatz minimaler Farbschemata und den einfachen tierischen Charakteren, sowie der scheinbar nicht enden wollenden Liste von unglücklichen Situationen, balancieren Chuehs Werke stilistisch zwischen niedlich und brutal und wandern auf dem schmalen Grat zwischen Komödie und Tragödie.