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Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.
Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.
Playdead Cult zeigt, dass man Schönheit an den fremdartigsten Plätzen finden kann. Stu Andrenelli der eine Welt zeichnet, wie er sie mit seinen Augen als A.D.D. geplagter Mensch sieht. Playdead ist ebenso eine junge T- Shirt Kollektion bei welcher allerdings jedes T-Shirt ein (dys)funktionales Kunstwerk ist. In den vergangenen siebeneinhalb Jahren etablierte sich Playdead als eine Kultmarke in der Untergrund, Kunst- und Musikszene. Seit 2007 gibt es den ersten Playdead Shop in Toronto, dieser ist jetzt schon eine Sehenswürdigkeit in der Stadt, mit all seiner Aufmerksamkeitserregenden Antiästhetik. Schließe Dich dem Kult an.
Nanami Cowdroy ist in Sydney, Australien geboren mit einer erblichen Bindung an europäische und japanische Wurzeln. Das Aufwachsen in solch kontrastreichen Kulturen und Umgebungen beeinflusste natürlich nachhaltig die Kunst von Nanami. Dies unterstützte Sie zusätzlich durch ein Studium in Graphik Design und visueller Kommunikation. Das ineinander verzahnen komplexer Charakteristiken und detailreicher Objekte hinterlässt eine hypnotische und fesselnde Wirkung beim Betrachter. Ihre exotischen Werke reflektieren die Zusammenstellung familiärer und fremdkultureller Wesenheiten. Ihre Vorstellungen sind illustriert und reichen von emotional bis durchdacht und intuitiv verworren. Nanami fühlt sich künstlerisch hingezogen zu Subjekten, die oberflächlich betrachtet filigran und zerbrechlich erscheinen. Dank der hand-gezeichneten Motive und Ihrer Tuschetechnik verleiht sie diesen Subjekten dann eine bemerkenswerte Stärke und Fülle.
Camilla dErrico wurde zur Künstlerin über einen sehr ungewöhnlichen Weg, nämlich über Comics. Zunächst war sie fasziniert von Comics als sie noch auf der High School war. Hier malte sie nur so zum Spaß, Drachen und sexy Mädchen. Ihre Leidenschaft hierfür trieb sie schnell voran, denn die ständige Praxis und ihr Einsatz bescherten Camilla eine blühende Karriere als Comiczeichnerin. Ihre Kreativität und Sensibilität veranlasste sie auch zeitgenössische Kunst zu produzieren. Ihre Bilder zeichnen sich durch eine innere Komplexität aus, welche die gesamte Palette der menschlichen Gefühle ausdrückt und die Seele zu berühren scheint. Emotionaler Reichtum ist eines ihrer Markenzeichen, genau das ist einer der Gründe weshalb sie so erfolgreich ist. Camilla zählt zu den Frauen in der Kunstszene, die man wohl zu der ersten Bewegung in der westlichen Kunstgeschichte zählen kann, als Frauen nicht mehr Bürger zweiter Klasse waren und auch in der Öffentlichkeit den Vorteil einer Frau genossen, wenn es um die Erfassung des Wesentlichen ging.
Das Team von eBoy ist vor allem berühmt für seine Illustrationen, Web-Design, Schriftarten und Spielzeug. Damit hat eBoy inzwischen internationalen Kultstatus erreicht. eBoy gestaltet mehrfach nutzbare Pixel-Objekte, aus welchen sie dann komplexe und erweiterbare Werke erschaffen.
Die eBoy Welt ist einzigartig und wird bewohnt von Robotern, Autos, Waffen und Mädchen, die alle aus Tausenden von Pixeln zusammengebaut wurden. Inspiriert werden eBoy hierbei von unserer heutigen, populären Kultur, welche oft aus Shopping, Supermärkten, Fernseher, LEGO und Computerspielen besteht – diese Einflüsse setzt eBoy in seiner bunten, witzigen, subversiven und verblüffend originellen Bildsprache um.
Das eBoy Markenzeichen sind zweifelsfrei die eCities. Diese sind beherrscht von der Liebe zur Architektur und Gebäuden. Die Inspiration und Herausforderung besteht darin die verschiedenen urbanen Einflüsse zu vereinen und die scheinbar endlos kombinierten Elemente bestehend aus Monstern, schäbigen Bars und Kinos trotzdem sorgfältig detailliert darzustellen.
Das kollektive eBoy Team bestehend aus den Mitgliedern Steffen Sauerteig, Svend Smital und Kai Vermehr, wurde 1998 gegründet. Den drei Männern diente dieses gemeinsame Interesse als Kanal um die aufkeimende Pixel-Art-Bewegung zu erforschen.
Einige der Top-Marken mit welchen eBoy schon gearbeitet hat, sind die New York Times, Nike, Coca-Cola, Honda um nur ein paar der hundert zu nennen. eBoy hat mit seinem Unternehmen Pixel-Kunstgeschichte geschrieben.
Das Team von eBoy ist vor allem berühmt für seine Illustrationen, Web-Design, Schriftarten und Spielzeug. Damit hat eBoy inzwischen internationalen Kultstatus erreicht. eBoy gestaltet mehrfach nutzbare Pixel-Objekte, aus welchen sie dann komplexe und erweiterbare Werke erschaffen.
Die eBoy Welt ist einzigartig und wird bewohnt von Robotern, Autos, Waffen und Mädchen, die alle aus Tausenden von Pixeln zusammengebaut wurden. Inspiriert werden eBoy hierbei von unserer heutigen, populären Kultur, welche oft aus Shopping, Supermärkten, Fernseher, LEGO und Computerspielen besteht – diese Einflüsse setzt eBoy in seiner bunten, witzigen, subversiven und verblüffend originellen Bildsprache um.
Das eBoy Markenzeichen sind zweifelsfrei die eCities. Diese sind beherrscht von der Liebe zur Architektur und Gebäuden. Die Inspiration und Herausforderung besteht darin die verschiedenen urbanen Einflüsse zu vereinen und die scheinbar endlos kombinierten Elemente bestehend aus Monstern, schäbigen Bars und Kinos trotzdem sorgfältig detailliert darzustellen.
Das kollektive eBoy Team bestehend aus den Mitgliedern Steffen Sauerteig, Svend Smital und Kai Vermehr, wurde 1998 gegründet. Den drei Männern diente dieses gemeinsame Interesse als Kanal um die aufkeimende Pixel-Art-Bewegung zu erforschen.
Einige der Top-Marken mit welchen eBoy schon gearbeitet hat, sind die New York Times, Nike, Coca-Cola, Honda um nur ein paar der hundert zu nennen. eBoy hat mit seinem Unternehmen Pixel-Kunstgeschichte geschrieben.
In den vergangenen zwanzig Jahren hat Warren als praktizierender Architekt und Künstler die Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Warren arbeitet auf internationalem Niveau für viele preisgekrönte Unternehmen. Zum Zeichnen jedoch zieht es ihn immer wieder zurück in seine Heimatstadt, Toronto. Architektur und Kunst sind für Warren zwei Seiten der gleichen Medaille. Es gilt die Einschränkungen der Formen zu erkunden und diese dann für einen individuellen Ausdruck zu nutzen. Seine Arbeiten verschmelzen die Gegensätzlichkeit von Struktur und organischer Formgebung, und lassen daraus das Zusammenleben der Kontraste von Unvorhersehbarem und Übereinstimmung entstehen. Warrens Arbeiten wirken tiefsinnig und eindringlich. Insbesondere im Spiel mit Maßstab und Perspektive unter Berufung auf deren emotionale Reaktion, entdeckt man einen lebendigen, geheimnisvollen und räumlichen Bereich. So entstehen surreale Landschaften, welche zusammen mit flüssigen Komponenten eine vage Andeutung auf gebaute Formen und industrielle Landschaften geben.
In den vergangenen zwanzig Jahren hat Warren als praktizierender Architekt und Künstler die Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Warren arbeitet auf internationalem Niveau für viele preisgekrönte Unternehmen. Zum Zeichnen jedoch zieht es ihn immer wieder zurück in seine Heimatstadt, Toronto. Architektur und Kunst sind für Warren zwei Seiten der gleichen Medaille. Es gilt die Einschränkungen der Formen zu erkunden und diese dann für einen individuellen Ausdruck zu nutzen. Seine Arbeiten verschmelzen die Gegensätzlichkeit von Struktur und organischer Formgebung, und lassen daraus das Zusammenleben der Kontraste von Unvorhersehbarem und Übereinstimmung entstehen. Warrens Arbeiten wirken tiefsinnig und eindringlich. Insbesondere im Spiel mit Maßstab und Perspektive unter Berufung auf deren emotionale Reaktion, entdeckt man einen lebendigen, geheimnisvollen und räumlichen Bereich. So entstehen surreale Landschaften, welche zusammen mit flüssigen Komponenten eine vage Andeutung auf gebaute Formen und industrielle Landschaften geben.
Lawrence ringt tagsüber mit der Gewinnung aussagekräftiger Eindrücke und bringt dann bei Nacht die Dämonen aus seinem Kopf auf die Leinwand. Seine analoge Kunst beinhaltet Graffiti Einflüsse, wie auch asiatische Impressionen und zielt darauf ab, eine Ordnung im Chaos zu kreieren oder umgekehrt. Er arbeitet bevorzugt mit Tinte, Markierstiften und Wasserfarben. Er findet, dass die Beständigkeit der Markierstifte seinen Bildern eine Menge Energie verleiht.
Die Themen in Audrey Kawasakis Arbeiten sind in sich gegensätzlich. Ihre Kunst ist beides: Unschuldig und erotisch attraktiv und zerstörend zugleich. Audreys präziser technischer Malstil ist zum einen inspiriert von Manga Comics und zum anderen von Art Nouveau. Ihre genaue grafische Metaphorik gepaart mit der natürlichen Körnung der Holzoberfläche, auf welcher sie malt, ergibt einen unerwarteten warmen und enigmatischen Ausdruck bei ihren Werken.
Die Themen in Audrey Kawasakis Arbeiten sind in sich gegensätzlich. Ihre Kunst ist beides: Unschuldig und erotisch attraktiv und zerstörend zugleich. Audreys präziser technischer Malstil ist zum einen inspiriert von Manga Comics und zum anderen von Art Nouveau. Ihre genaue grafische Metaphorik gepaart mit der natürlichen Körnung der Holzoberfläche, auf welcher sie malt, ergibt einen unerwarteten warmen und enigmatischen Ausdruck bei ihren Werken.
Emeks Karriere erfuhr in den 1990er Jahren einen regelrechten Hype, weil er sehr viele Poster für alternative Rock-Acts aus Europa und Nordamerika gestaltet hat, so auch für Bands wie Pearl Jam, Radiohead, Queens Of The Stone Age, Tool, Marilyn Manson und The Decemberists. Innerhalb der letzten zehn Jahre wurden Emeks Arbeiten sowohl in Galerien der Vereinigten Staaten gezeigt, als auch in Berlin, London und Tokio.
Emeks Werke lassen sich der zeitgenössischen Kunst zuordnen. Derzeit lebt er in Portland, Oregon. Emek wuchs in Kalifornien in einer 5-köpfigen Künstlerfamilie auf. Geboren wurde er in Israel - hier lebten seine Eltern als Künstler in einem Kibbuz. Später lebte Emeks Familie inklusive seines jüngeren Bruders und seiner Schwester in den Vereinigten Staaten in der Nähe von Los Angeles. Sein Vater arbeitete dort als Hausmeister. Bei ihm zu Hause gab es im ganzen Haus keinen Fernseher lediglich ein Radio, sowie ein gut ausgestattetes Atelier. Seine Eltern waren lange Zeit in politischen Bereichen aktiv und setzten sich unter anderem für soziale Gerechtigkeit, Friedensbewegungen oder den Umweltschutz ein.
Nicoletta lebt und arbeitet in San Marino als Kinderbuch Illustratorin. Seit ihrer Kindheit schon liebt sie Kinderbücher und umgibt sich heute noch täglich mit ihnen. Ihre erste Arbeit wurde im Jahr 1997 veröffentlicht und seither hat sie schon viele, viele weitere publiziert. Nicolettas Arbeiten bescherten ihr über die Jahre zahlreiche Auszeichnungen, einschließlich des Andersen-Preises und dem Baia Delle Favole, sowie im Jahre 2006 die Silbermedaille von der Society of Illustrators in New York.
Ihre Arbeiten wurden bisher in den USA sowie Europa gezeigt und enthalten mehrere wiederkehrende Themen. Diese handeln vom Verlust der Unschuld mit fragilen Protagonisten, welche sich in paradoxen Lebenssituationen befinden, deren theatralische Einsamkeit zusätzlich betont wird. Die Darstellungsweise von Nicolettas Werken ist wie die von klassischen Märchen und paart sich mit den Einflüssen der flämischen Malerei des 16. Jahrhunderts.
Emeks Karriere erfuhr in den 1990er Jahren einen regelrechten Hype, weil er sehr viele Poster für alternative Rock-Acts aus Europa und Nordamerika gestaltet hat, so auch für Bands wie Pearl Jam, Radiohead, Queens Of The Stone Age, Tool, Marilyn Manson und The Decemberists. Innerhalb der letzten zehn Jahre wurden Emeks Arbeiten sowohl in Galerien der Vereinigten Staaten gezeigt, als auch in Berlin, London und Tokio.
Emeks Werke lassen sich der zeitgenössischen Kunst zuordnen. Derzeit lebt er in Portland, Oregon. Emek wuchs in Kalifornien in einer 5-köpfigen Künstlerfamilie auf. Geboren wurde er in Israel - hier lebten seine Eltern als Künstler in einem Kibbuz. Später lebte Emeks Familie inklusive seines jüngeren Bruders und seiner Schwester in den Vereinigten Staaten in der Nähe von Los Angeles. Sein Vater arbeitete dort als Hausmeister. Bei ihm zu Hause gab es im ganzen Haus keinen Fernseher lediglich ein Radio, sowie ein gut ausgestattetes Atelier. Seine Eltern waren lange Zeit in politischen Bereichen aktiv und setzten sich unter anderem für soziale Gerechtigkeit, Friedensbewegungen oder den Umweltschutz ein.
Die meisten Menschen kennen, Brian von seinen großen Wandbildern in Restaurants, Bars, Hotels, Wohnungen und auf den Straßen von San Francisco. Seine wichtigste Arbeit ist möglicherweise das massive „Food Chain“ Bild, welches 25 m hoch ist und von ihm in nur zwei Wochen fertig gestellt wurde. Brian schreibt seine Erfahrungen als Zeichner hauptsächlich den Einflüssen seiner besonderen Maltechnik zu. Unter seinen stilistischen Einflüssen erkennt man Künstler wie Pablo Picasso, Romare Bearden und Stuart Davis, um nur einige zu nennen.
Vielfach setzt er auf die Verwischung der Grenzen zwischen den Stilen und kombiniert diese dann. Brians Arbeiten beinhalten sowohl surreale Züge als auch Einflüsse des Folk/Pop Kubismus, bis hin zur städtischen Moderne. Seine Werke strahlen gleichermaßen eine eigene Ästhetik aus. Brian sagt „Es benötigte viele spielerische Ansätze, um diese Herangehensweise zu praktizieren“. Seine Arbeiten sind sozusagen „spielerischer Ernst“. - Ernsthaft.
Philips leuchtende Werke sind eine Mischung aus digitalisierten Bildern und traditioneller Ölmalerei, die klassischen Einflüsse basieren meist auf dem Fantastischen. Viele seiner Bilder lehnen sich stark an den Surrealismus an. Seine Visionen sind bewohnt von einzigartigen Charakteren und angereichert mit erfindungsreicher Archi-tektur und üppiger Vegetation, durchsetzt mit pul-sierenden Farben und dramatischen Lichteffekten. Seine Designs sind schon auf einer Menge von Produkten zu sehen, beispielsweise auf Büchern, Spielen, Wandgemälden und Textilien. Ebenso wurde er unter anderem in folgenden Publikationen erwähnt; The Society of Illustrators New York und Los Angeles Aus-gaben, Spectrum Fantasy Ausgaben, Expose digital fine art book, sowie auf Dutzenden von Digitalen Kunst Webseiten und Foren. Einige seiner Klienten sind: 3D Total, Ballistic Media, Big Tuna Trading, Brewster Wall Coverings, CR Gibson, David Textiles, Electronic Arts, Fisher Price, Future Publishing, Harper Collins, Harper Festival, Magic the Gathering, Mattel, McGraw-Hill, Random House, Nickelodeon, Scholastic, Simon und Schuster, Universal Studios, Wizards of the Coast, und Zoo Publishing.
Die Stücke welche Jeff Wood und Drowning Creek Studios kreieren sind ursprünglich Premium Poster. Hierbei mischen sie außergewöhnliche Illustrationen, spezielle Tinte, die neuesten Drucktechniken und ganz besondere Papierarten. Der Gesamtprozess ist dann eine sehr aufwendige und laborintensive Prozedur, doch die Leute erkennen und mögen genau dies an den Kunstwerken. Drowning Creek hat schon für eine Vielzahl namhafter Bands wie 311, Gorillaz, Allman Brothers und Widespread Panic gearbeitet. Mit dieser Liste an Kunden hat sich Drowning Creek professionell qualifiziert und sich völlig ausgereift dem Rock n Roll verschrieben.
Als Junge hat Andy Kehoe davon geträumt ein Motorrad-Stuntman in einem John Woo-Action-Film zu werden. Im Mai 1998 empfahl ihn dann ein Freund aus der Branche und er bekam endlich seinen „Shot“. Er war Motorrad Gangster # 3 in einem Low-Budget-Aktion-Film in welchem er einen asiatischen Typ in der Hauptrolle spielte.
Andy verbrachte vier Monate mit seiner Ausbildung hierfür und ließ sich einen Schnurrbart wachsen. Seine Fähigkeiten? Ausgezeichnet! Sein Blick? Perfekt.
Dann kam der große Augenblick. Ein Stunt bei dem Andy eine Rampe mit moderater Geschwindigkeit über explodierende Fässer springt, während er dabei mit einem Maschinengewehr wild in der Luft herumschießt. Anstatt nervös zu sein, ging Andy mit der mutigen aber dummen Fuck-It-All Einstellung an die Sache heran. Dies führte unweigerlich zu einigen sehr schlechten und bis heute unerklärlichen Entscheidungen. Als der RegisseurAction rief, legte Andy los und erreichte innerhalb von Sekunden die lächerliche Geschwindigkeit von ca. 110 km/h, natürlich sehr zum Erstaunen des Regisseurs. Andy feuerte mit zwei Faustfeuerwaffen anstelle der Maschinengewehre und trug keinen Helm. Er schaffte es das Bike freihändig in einem wheelie zu fahren, bevor er mit dieser unglaublichen Geschwindigkeit auf die Rampe fuhr. Die Fässer explodierten exakt zum richtigen Zeitpunkt in einem unglaublichen Feuerball. Die Explosion war so heiß, dass sie die Hälfte von Andys Schnurrbart verbrannte, dadurch geriet er natürlich ins schleudern. Er verpasste die Landungszone um weit über 90 Meter und stürzte in eine Pferdekoppel, wobei ein Pferd zu schaden kam und in zwei Hälften gerissen wurde. Irgendwie kam Andy nur mit leichten Verletzungen davon. Nun hatte er den Ruf weg rücksichtslos zu sein und wurde als eine "Eine Schande" bezeichnet. Er arbeitete von da an nie wieder im Showbiz. Andy Kehoe lebt heute in Portland, OR und macht lebendige Kunst.
Exploding Dog
New York, USA
Seit 1999 zeichnet Sam Brown Graphiken und Bilder für die Webseiten von Exploding Dog. Seine Zeichnungen basieren auf eingereichten Titeln von Usern und auf den Träumen einer Zukunft, in welchen Hunde, Fische und Roboter die Welt regieren. Die Menschen hingegen sind nur Besucher in diesem Abenteuer.
Alex Noriega ist ein spanischer Illustrator der in Barcelona geboren und aufgewachsen ist. Er hat schon für viele Magazine und Publikationen gearbeitet. Seine Karriere änderte sich radikal in den letzten Jahren, als er als Designer für die Modeindustrie tätig wurde. Seine arbeiten sind auf T-Shirts, Buttons Geldbörsen und Postkarten zu sehen. Er mag es impulsiv, zufällig und albern zu malen und sein Ziel ist es jeden Tag mindestens ein Männchen zu malen.
Derek Prospero hat seit 1995 an 7 Tagen in der Woche mit Photoshop gearbeitet. Er hat an hunderten von Web, Druck und Multimedia Projekten als Freiberufler mitgewirkt. Dabei hat er eine starke Leidenschaft für visuelles Design entwickelt. Für etwa 4 Jahre hat Derek Fortgeschrittene Photoshop-benutzer am New England Institute für Technologie und am Palm Beach Community College unterrichtet. Seine Kunst wurde in dutzenden von internationalen Büchern und Magazinen gezeigt. Seine Werke waren mit entsprechenden Artikeln versehen, die mit ihrer Schritt für Schritt Anleitung oft auch als Ratgeber von aufstrebenden Künstlern genutzt wurden. Er hat den Prestigeträchtigen Photoshop Guru Award der jährlich von der National Association of Photoshop Professionals verliehen wird. Darüber hinaus ist er der Erfinder der umjubelten Dilly Rink Icon Collection. Auf seiner Website bietet er Clip Art Pakete für Digitale Künstler an. Unter anderem auch seine Motherboard Kollektion die er als kreativen Beitrag für GelaSkins kreierte.
Derek Prospero hat seit 1995 an 7 Tagen in der Woche mit Photoshop gearbeitet. Er hat an hunderten von Web, Druck und Multimedia Projekten als Freiberufler mitgewirkt. Dabei hat er eine starke Leidenschaft für visuelles Design entwickelt. Für etwa 4 Jahre hat Derek Fortgeschrittene Photoshop-benutzer am New England Institute für Technologie und am Palm Beach Community College unterrichtet. Seine Kunst wurde in dutzenden von internationalen Büchern und Magazinen gezeigt. Seine Werke waren mit entsprechenden Artikeln versehen, die mit ihrer Schritt für Schritt Anleitung oft auch als Ratgeber von aufstrebenden Künstlern genutzt wurden. Er hat den Prestigeträchtigen Photoshop Guru Award der jährlich von der National Association of Photoshop Professionals verliehen wird. Darüber hinaus ist er der Erfinder der umjubelten Dilly Rink Icon Collection. Auf seiner Website bietet er Clip Art Pakete für Digitale Künstler an. Unter anderem auch seine Motherboard Kollektion die er als kreativen Beitrag für GelaSkins kreierte.
Alberto Cerriteno ist ein Designer und Illustrator aus Mexiko-Stadt, der gerne mit seinen Werken animiert. Er genießt es mit den Farben zu spielen, sein Motto:
Hauptsache es sieht gut aus. Derzeit arbeitet er als Senior Art Director in einer Marketing- und Designagentur in Portland Oregon welche auf Artwork spezialisiert ist. Alberto nutzt für seine Kunst verschiedene Medien, sei es in digitaler Form oder auf traditionelle Weise als Gemälde.
Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.
Amy Sol verbrachte Ihre Kindheit in Korea und zog dann um nach Las Vegas in Nevada. Dort lebt und arbeitet sie derzeit. Ihr Stil ist stark beeinflusst von einer Kombination aus Manga, Folk Art, altmodischer Illustration und modernem Design. Sie ist nach wie vor eine auto-didaktische Künstlerin. Über viele Jahre hinweg, hat sie viel Zeit mit dem richtigen mischen und herstellen einer Farbpalette verbracht die aus kaum merklichen und gedeckten Farben besteht. Sol arbeitet von Anfang bis Ende intuitiv an jedem Kunstwerk. Hierbei legt Sie großen Wert darauf, dass jeder Betrachter eine subjektive Interpretation oder Aussage über ihr Gemälde treffen soll. In Ihren Arbeiten erkennt man oft skurrile Landschaften, die bevölkert sind mit exotischen Pflanzen, Tieren oder Frauen. Inmitten der Charakteristik eines jeden Bildes, spürt man eine friedvolle Reflektion und Gemeinschaft.
Kozyndan bezeichnen sich als verrückte Wissenschaftler aus Los Angeles,
die an einer geheimen Formel für die kontrollierte Kernfusion arbeiten sowie an der Erschaffung einer Linie von genießbaren Hühnern. Nur so zum Spaß holen sie tief Luft und tauchen mit Ihren Köpfen in große Gläser mit Himbeergelee oder Zitronen Quark. Sie leben in einem Haus und bemalen nicht Ihre Wände. Das Paar arbeitet ebenso als freiberufliche Illustratoren.
Die jenigen, welche Graffiti als eine Kunstform der öffentlichen Wahrnehmung verstehen, sollten wissen, dass DAIM einer der renommiertesten Graffiti Künstler ist.
DAIM ist geboren in Lüneburg. Ihn zog es ziemlich bald nach Hamburg, eine Metropole die für Ihre blühende Subkultur der Kunstszene berühmt ist. 1989 begann er seine Karriere als wahrer Spraydosen Virtuose. Ein Jahr später bekam er seine ersten Aufträge um 1992 seine alias, die sehr wichtig ist für einen Graffitikünstler zum festen Platzhalter in der Szene zu etablieren. Dies war ein wichtiger Meilenstein in der Entwicklung der modernen "Street Calligraphy" Seine internationale Kunst ebenso, wie seine Vorträge ließen DAIM schnell Fuss fassen in transnationalen Künstlergruppen wie: GBF, SUK, FBI und FX. Seine Bandbreite an Fähigkeiten und Techniken ließen Ihn über sich selbst hinauswachsen. So entwickelten sich zweidimensionale Bilder zu drei-dimensionalen Kunstwerken mit ungeahnten Tiefen und Perspektiven, um schlussendlich zur Skulptur zu werden, welche lediglich ihre Einschränkung auf flachen Oberflächen findet.
Ich glaube bis heute an die Magie der Kindheit und denke, dass dein Leben mit dieser Magie endlos erscheint. Ich glaube das ein Kinderbuch für Erwachsene kein Genuss ist, weil entweder das Buch nicht gut ist oder andererseits etwas nicht stimmt mit der Art und Weise, wie ein Erwachsener das Buch interpretiert. Das ist natürlich der elegante Weg zu sagen, dass ich nicht erwachsen werden will.
Meine Lieblingsfrüchte sind Kirschen, und meine Musik ist Rock and Roll und ich mag alte Blues Schallplatten. Ich bin ein Australischer Mitbürger, ein Linkshänder und farbenblind.
In Philadelphia geboren, aber aufgewachsen in Fresno,s begann Luke Chueh (sprich: CHU) seine formelle künstlerische Ausbildung und beendete sie an der California Polytechnic State University, San Luis Obipso wo er seinen BS in Kunst & Design (Grafik-Design-Konzentration) erwarb. Vor seinem Studium war er bei der Ernie Ball-Gesellschaft als Designer / Illustrator tätig. Chueh war hier schon verantwortlich für etliche preisgekrönte Designs und wurde in die Gestaltung der einjährigen Communication Arts-and-Print-Magazine eingebunden. Gleichzeitig erstellt, produziert, schreibt, konzipiert, bearbeitet und veröffentlicht "EXP", ein "Magazine das sich dem " Intelligent Dance Music (IDM) "Genre widmet.
2003, zog Chueh nach Los Angeles um seine Karriere im Bereich des Designs weiter zu verfolgen. Aus Mangel an Beschäftigungsmöglichkeiten nutzte er die Malerei als eine Möglichkeit sich zu beschäftigen. Seine Karriere als Künstler begann bei der Los Angeles U-Kunst Premiereausstellung bei Cannibal Blumen, für die er eine Einladung erhielt monatlich seine Werke zu präsentieren. Seitdem hat Chueh es schnell geschafft seinen Weg bis in die Reihen der LA Kunstszene zu finden und kann als etablierter Künstler nicht mehr außer Acht gelassen werden. Durch den Einsatz minimaler Farbschemata und den einfachen tierischen Charakteren, sowie der scheinbar nicht enden wollenden Liste von unglücklichen Situationen, balancieren Chuehs Werke stilistisch zwischen niedlich und brutal und wandern auf dem schmalen Grat zwischen Komödie und Tragödie.
Si Scott ist ein Graphik Designer und Illustrator und die treibende Kraft bei den in UK ansässigen SI Studios. Seine mit Tinte und Bleistift handgemalten Typographien und Graphikdesigns wirken obsessiv und verknüpfen moderne mit traditionellen Einflüssen. Zu seinen Klienten zählen beispielsweise: BBC TV, Burton, GQ, Hugo Boss, MTV, Unicef und VOLVO.