Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.
Marc Gabbana ist ein Illustrator und Konzept Künstler, der in der Werbe-, Verlags-und Film-Industrie arbeitet. Zu seinen Film Credits zählen Episode 1 und 2 der Star Wars Trilogie, Matrix Reloaded sowie Revolutions, und Polar Express, War of the Worlds und Beowulf. Momentan arbeitet er daran sein Universum mit noch nie da gewesenen Charakteren, wie Kreaturen und Robotern zu bevölkern.
Seit kurzem genießt Heather Haynes internationale Aufmerksamkeit. Zwischenzeitlich sind viele etablierte Kunstsammler auf der Suche nach Ihren original Werken.
Heather wurde in einer Reihe von ausgewählten Galerien in ganz Kanada, Großbritannien und den Vereinigten Staaten mit ihren Werken ausgestellt. Ihre original Werke befinden sich schon in vielen Unternehmens- und Privatsammlungen.
Nanami Cowdroy ist in Sydney, Australien geboren mit einer erblichen Bindung an europäische und japanische Wurzeln. Das Aufwachsen in solch kontrastreichen Kulturen und Umgebungen beeinflusste natürlich nachhaltig die Kunst von Nanami. Dies unterstützte Sie zusätzlich durch ein Studium in Graphik Design und visueller Kommunikation. Das ineinander verzahnen komplexer Charakteristiken und detailreicher Objekte hinterlässt eine hypnotische und fesselnde Wirkung beim Betrachter. Ihre exotischen Werke reflektieren die Zusammenstellung familiärer und fremdkultureller Wesenheiten. Ihre Vorstellungen sind illustriert und reichen von emotional bis durchdacht und intuitiv verworren. Nanami fühlt sich künstlerisch hingezogen zu Subjekten, die oberflächlich betrachtet filigran und zerbrechlich erscheinen. Dank der hand-gezeichneten Motive und Ihrer Tuschetechnik verleiht sie diesen Subjekten dann eine bemerkenswerte Stärke und Fülle.
Alex Noriega ist ein spanischer Illustrator der in Barcelona geboren und aufgewachsen ist. Er hat schon für viele Magazine und Publikationen gearbeitet. Seine Karriere änderte sich radikal in den letzten Jahren, als er als Designer für die Modeindustrie tätig wurde. Seine arbeiten sind auf T-Shirts, Buttons Geldbörsen und Postkarten zu sehen. Er mag es impulsiv, zufällig und albern zu malen und sein Ziel ist es jeden Tag mindestens ein Männchen zu malen.
Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.
Carnovsky ist ein Mailänder Designer-Duo bestehend aus Silvia Quintanilla und Francesco Rugier. Bei Carnovsky neuestem Projekt welches RGB heißt geht es vordergründig um die Erforschung von - Oberflächen der Tiefe -. Im RGB-Design erstellte Oberflächen mutieren und interagieren oftmals mit verschiedenen chromatischen Reizen. Die RGB-Technik besteht aus der Überlagerung von drei verschiedenen Bildern. Die daraus resultierenden Bilder dieser drei Ebenen führen zu unerwarteten Überlagerungen und wirken auf den ersten Blick verwirrend. Die Farben mischen sich, umschlingen die Linien und Formen immer träumerischer. Indem man einen Farbfilter nutzt, wird es möglich die unterschiedlichen Schichten herauszustellen, welche deutlich erkennen lassen, wie das Bild zusammengesetzt ist. Die angewendeten Farbfilter hierbei sind Rot, Grün und Blau. Jeder dieser Filter offenbart eine der drei Ebenen. Bei den hier antik dargestellten Werken handelt es sich thematisch um eine Metamorphose, welche den unaufhörlichen Wandel der Formen durch sein -primigeniales- Chaos bestimmt. Zu diesem Zweck erstellt Carnovsky eine Art Katalog mit Naturmotiven beginnend mit alten Stichen aus der Naturgeschichte und europäischen Texten. Ein Katalog, der nicht das wissenschaftliche Ziel im modernen Sinne verfolgen möchte, sondern das reale und fantastische klassifizieren und vereinen will. In jedem Bild leben sozusagen drei Schichten und drei Welten zusammen. Es könnte ebenso zu einem bestimmten natürlichen Reich gehören, dass zur gleichen Zeit in einen anderen psychischen oder emotionalen Status gehört. Aus dem klaren entsteht verstecktes, aus dem Licht Dunkelheit, aus Wachheit Traum.
Emeks Karriere erfuhr in den 1990er Jahren einen regelrechten Hype, weil er sehr viele Poster für alternative Rock-Acts aus Europa und Nordamerika gestaltet hat, so auch für Bands wie Pearl Jam, Radiohead, Queens Of The Stone Age, Tool, Marilyn Manson und The Decemberists. Innerhalb der letzten zehn Jahre wurden Emeks Arbeiten sowohl in Galerien der Vereinigten Staaten gezeigt, als auch in Berlin, London und Tokio.
Emeks Werke lassen sich der zeitgenössischen Kunst zuordnen. Derzeit lebt er in Portland, Oregon. Emek wuchs in Kalifornien in einer 5-köpfigen Künstlerfamilie auf. Geboren wurde er in Israel - hier lebten seine Eltern als Künstler in einem Kibbuz. Später lebte Emeks Familie inklusive seines jüngeren Bruders und seiner Schwester in den Vereinigten Staaten in der Nähe von Los Angeles. Sein Vater arbeitete dort als Hausmeister. Bei ihm zu Hause gab es im ganzen Haus keinen Fernseher lediglich ein Radio, sowie ein gut ausgestattetes Atelier. Seine Eltern waren lange Zeit in politischen Bereichen aktiv und setzten sich unter anderem für soziale Gerechtigkeit, Friedensbewegungen oder den Umweltschutz ein.
Kenji Hiratas Artwork ist in Form und Farbe sehr stark von der Natur, der Musik und von der handgezeichneten Werbung Südostasiens sowie dem Futurimus inspiriert. Das Thema, welches während der Arbeit durch seinen Körper abläuft ist eine Geschichte die er selbst geschaffen hat, in welchem ein eigenes ganzes Universum existiert. Seine Gemälde, Zeichnungen und Filme bieten Einblicke in dieses Universum.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Leontine Greenberg wuchs in Tucson/Arizona auf und lebt heute in Jackson Heights, Queens mit ihrem Ehemann, der Tochter und ihren zwei Katzen.
Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Galerien in den USA gezeigt, darunter ThinkSpace, Gallery1988 und myplasticheart NYC.
Leontine wird inspiriert von alten Booten, den Dächern der Stadt, anderer Leute Fotos und sprechenden Tieren in Anzügen.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Nathan Spoors Gemälde verknüpfen die Bilder des Übergangs und des Wachstums; flüssige Erzählungen über die Chronik einer Welt, die reich ist an Geheimnissen, Freude, Schmerz und dem empfindlichen Gleichgewicht von persönlicher und spiritueller Entwicklung. Er ist davon überzeugt, dass der Prozess der kontinuierlichen Untersuchung von weitläufigeren Techniken entscheidend ist für seine eigene Entwicklung als Künstler.
Kein Bild und keine Leinwand ist zu kostbar, um sie zu verwischen, zu übermalen oder sogar anzubrennen, um so der Entdeckungsreise seinen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen. Auf diese Weise lässt Spoor aus jedem seiner Bilder eine persönliche und transformative Beziehung entstehen, die für ihn hinter dem eigentlichen und fertigen Werk lebt.
Brian lebt in einer geheimen Welt von verrosteten Automaten und verschlepptem Fisch. Seine Vorstellung tanzt zwischen dem delikaten Zwiespalt des dunklen Humors und übersättigten Doppeldeutigkeiten des versteckten Symbolismus. Seine Bilder deuten große Maschinen an, die unter der Oberfläche der bewussten Wahrnehmung schwimmen. Seine Kunst ergreift die Aufmerksamkeit und bittet den Betrachter förmlich die einmalige Erfahrung von Brians Vorstellungen mit Ihm zu teilen. Brian lebt und malt seine Werke derzeit in Washington State.
Brian lebt in einer geheimen Welt von verrosteten Automaten und verschlepptem Fisch. Seine Vorstellung tanzt zwischen dem delikaten Zwiespalt des dunklen Humors und übersättigten Doppeldeutigkeiten des versteckten Symbolismus. Seine Bilder deuten große Maschinen an, die unter der Oberfläche der bewussten Wahrnehmung schwimmen. Seine Kunst ergreift die Aufmerksamkeit und bittet den Betrachter förmlich die einmalige Erfahrung von Brians Vorstellungen mit Ihm zu teilen. Brian lebt und malt seine Werke derzeit in Washington State.
Als Junge hat Andy Kehoe davon geträumt ein Motorrad-Stuntman in einem John Woo-Action-Film zu werden. Im Mai 1998 empfahl ihn dann ein Freund aus der Branche und er bekam endlich seinen „Shot“. Er war Motorrad Gangster # 3 in einem Low-Budget-Aktion-Film in welchem er einen asiatischen Typ in der Hauptrolle spielte.
Andy verbrachte vier Monate mit seiner Ausbildung hierfür und ließ sich einen Schnurrbart wachsen. Seine Fähigkeiten? Ausgezeichnet! Sein Blick? Perfekt.
Dann kam der große Augenblick. Ein Stunt bei dem Andy eine Rampe mit moderater Geschwindigkeit über explodierende Fässer springt, während er dabei mit einem Maschinengewehr wild in der Luft herumschießt. Anstatt nervös zu sein, ging Andy mit der mutigen aber dummen Fuck-It-All Einstellung an die Sache heran. Dies führte unweigerlich zu einigen sehr schlechten und bis heute unerklärlichen Entscheidungen. Als der RegisseurAction rief, legte Andy los und erreichte innerhalb von Sekunden die lächerliche Geschwindigkeit von ca. 110 km/h, natürlich sehr zum Erstaunen des Regisseurs. Andy feuerte mit zwei Faustfeuerwaffen anstelle der Maschinengewehre und trug keinen Helm. Er schaffte es das Bike freihändig in einem wheelie zu fahren, bevor er mit dieser unglaublichen Geschwindigkeit auf die Rampe fuhr. Die Fässer explodierten exakt zum richtigen Zeitpunkt in einem unglaublichen Feuerball. Die Explosion war so heiß, dass sie die Hälfte von Andys Schnurrbart verbrannte, dadurch geriet er natürlich ins schleudern. Er verpasste die Landungszone um weit über 90 Meter und stürzte in eine Pferdekoppel, wobei ein Pferd zu schaden kam und in zwei Hälften gerissen wurde. Irgendwie kam Andy nur mit leichten Verletzungen davon. Nun hatte er den Ruf weg rücksichtslos zu sein und wurde als eine "Eine Schande" bezeichnet. Er arbeitete von da an nie wieder im Showbiz. Andy Kehoe lebt heute in Portland, OR und macht lebendige Kunst.
Als Junge hat Andy Kehoe davon geträumt ein Motorrad-Stuntman in einem John Woo-Action-Film zu werden. Im Mai 1998 empfahl ihn dann ein Freund aus der Branche und er bekam endlich seinen „Shot“. Er war Motorrad Gangster # 3 in einem Low-Budget-Aktion-Film in welchem er einen asiatischen Typ in der Hauptrolle spielte.
Andy verbrachte vier Monate mit seiner Ausbildung hierfür und ließ sich einen Schnurrbart wachsen. Seine Fähigkeiten? Ausgezeichnet! Sein Blick? Perfekt.
Dann kam der große Augenblick. Ein Stunt bei dem Andy eine Rampe mit moderater Geschwindigkeit über explodierende Fässer springt, während er dabei mit einem Maschinengewehr wild in der Luft herumschießt. Anstatt nervös zu sein, ging Andy mit der mutigen aber dummen Fuck-It-All Einstellung an die Sache heran. Dies führte unweigerlich zu einigen sehr schlechten und bis heute unerklärlichen Entscheidungen. Als der RegisseurAction rief, legte Andy los und erreichte innerhalb von Sekunden die lächerliche Geschwindigkeit von ca. 110 km/h, natürlich sehr zum Erstaunen des Regisseurs. Andy feuerte mit zwei Faustfeuerwaffen anstelle der Maschinengewehre und trug keinen Helm. Er schaffte es das Bike freihändig in einem wheelie zu fahren, bevor er mit dieser unglaublichen Geschwindigkeit auf die Rampe fuhr. Die Fässer explodierten exakt zum richtigen Zeitpunkt in einem unglaublichen Feuerball. Die Explosion war so heiß, dass sie die Hälfte von Andys Schnurrbart verbrannte, dadurch geriet er natürlich ins schleudern. Er verpasste die Landungszone um weit über 90 Meter und stürzte in eine Pferdekoppel, wobei ein Pferd zu schaden kam und in zwei Hälften gerissen wurde. Irgendwie kam Andy nur mit leichten Verletzungen davon. Nun hatte er den Ruf weg rücksichtslos zu sein und wurde als eine "Eine Schande" bezeichnet. Er arbeitete von da an nie wieder im Showbiz. Andy Kehoe lebt heute in Portland, OR und macht lebendige Kunst.
Andy Gilmore, in Rochester, New York beschreibt sich selbst als Zeichner, Designer und Musiker. Zu Andys Kunden zählen eine beeindruckende Liste wie beispielsweise, das Wired Magazine, New York Times, Cool Hunter und der Creative Review. Seine Werke wurden in Dutzenden von Shows und Ausstellungen auf der ganzen Welt vorgestellt. Seine Arbeiten zielen darauf ab, die physikalischen Eigenschaften und Proportionen aus Klang und Licht weiter zu vervollständigen.
Andy Gilmore, in Rochester, New York beschreibt sich selbst als Zeichner, Designer und Musiker. Zu Andys Kunden zählen eine beeindruckende Liste wie beispielsweise, das Wired Magazine, New York Times, Cool Hunter und der Creative Review. Seine Werke wurden in Dutzenden von Shows und Ausstellungen auf der ganzen Welt vorgestellt. Seine Arbeiten zielen darauf ab, die physikalischen Eigenschaften und Proportionen aus Klang und Licht weiter zu vervollständigen.
Andy Gilmore, in Rochester, New York beschreibt sich selbst als Zeichner, Designer und Musiker. Zu Andys Kunden zählen eine beeindruckende Liste wie beispielsweise, das Wired Magazine, New York Times, Cool Hunter und der Creative Review. Seine Werke wurden in Dutzenden von Shows und Ausstellungen auf der ganzen Welt vorgestellt. Seine Arbeiten zielen darauf ab, die physikalischen Eigenschaften und Proportionen aus Klang und Licht weiter zu vervollständigen.
Camilla dErrico wurde zur Künstlerin über einen sehr ungewöhnlichen Weg, nämlich über Comics. Zunächst war sie fasziniert von Comics als sie noch auf der High School war. Hier malte sie nur so zum Spaß, Drachen und sexy Mädchen. Ihre Leidenschaft hierfür trieb sie schnell voran, denn die ständige Praxis und ihr Einsatz bescherten Camilla eine blühende Karriere als Comiczeichnerin. Ihre Kreativität und Sensibilität veranlasste sie auch zeitgenössische Kunst zu produzieren. Ihre Bilder zeichnen sich durch eine innere Komplexität aus, welche die gesamte Palette der menschlichen Gefühle ausdrückt und die Seele zu berühren scheint. Emotionaler Reichtum ist eines ihrer Markenzeichen, genau das ist einer der Gründe weshalb sie so erfolgreich ist. Camilla zählt zu den Frauen in der Kunstszene, die man wohl zu der ersten Bewegung in der westlichen Kunstgeschichte zählen kann, als Frauen nicht mehr Bürger zweiter Klasse waren und auch in der Öffentlichkeit den Vorteil einer Frau genossen, wenn es um die Erfassung des Wesentlichen ging.
Emeks Karriere erfuhr in den 1990er Jahren einen regelrechten Hype, weil er sehr viele Poster für alternative Rock-Acts aus Europa und Nordamerika gestaltet hat, so auch für Bands wie Pearl Jam, Radiohead, Queens Of The Stone Age, Tool, Marilyn Manson und The Decemberists. Innerhalb der letzten zehn Jahre wurden Emeks Arbeiten sowohl in Galerien der Vereinigten Staaten gezeigt, als auch in Berlin, London und Tokio.
Emeks Werke lassen sich der zeitgenössischen Kunst zuordnen. Derzeit lebt er in Portland, Oregon. Emek wuchs in Kalifornien in einer 5-köpfigen Künstlerfamilie auf. Geboren wurde er in Israel - hier lebten seine Eltern als Künstler in einem Kibbuz. Später lebte Emeks Familie inklusive seines jüngeren Bruders und seiner Schwester in den Vereinigten Staaten in der Nähe von Los Angeles. Sein Vater arbeitete dort als Hausmeister. Bei ihm zu Hause gab es im ganzen Haus keinen Fernseher lediglich ein Radio, sowie ein gut ausgestattetes Atelier. Seine Eltern waren lange Zeit in politischen Bereichen aktiv und setzten sich unter anderem für soziale Gerechtigkeit, Friedensbewegungen oder den Umweltschutz ein.
Alphonse Maria Mucha wurde geboren am 24. Juli 1860 in der Stadt Ivancice bei Mähren, (Tschechische Republik), welche dann Bestandteil der österreichischen Republik wurde. Er arbeitete in Mähren vor allem als Maler für Theaterdekorationen und wechselte anschließend im Jahre 1879 nach Wien, um für eine führende Theater-Design-Firma zu arbeiten. Als ein Feuer im Jahre 1881 dieses Unternehmen komplett zerstörte, kehrte er nach Mähren zurück, wo Karl Graf Khuen von Mikulov Mucha anbot, sein Schloss Ovany Emmahof in Ungarn mit Wandmalereien zu versehen. Graf Khuen war dermaßen beeindruckt von der Arbeit Muchas, dass er ihm an der Akademie der Bildenden Künste in München die gesamte Ausbildung finanzierte. Im Jahre 1887
zog Mucha nach Paris und setzte sein Studium an der Akademie Mie Academie Julian sowie Colaross fort. Mucha schuf hier eine Vielzahl von Gemälden, Zeichnungen, Entwürfen und Bühnenbildern. Sein Stil wurde später unter der Bezeichnung "Art Nouveau Stil weltbekannt. Der eigene Stil Muchas wurde oft nachgeahmt. In den Jahren 1906 bis 1910 besuchte Mucha die USA, kehrte dann aber wieder in die böhmischen Gefilde zurück, wo er das Prager Theater der Schönen Künste und viele andere Sehenswürdigkeiten der Stadt mit seinen Werken verschönerte. Als die Tschechoslowakei nach dem Ersten Weltkrieg ihre Unabhängigkeit gewann , entwarf Mucha Briefmarken, Banknoten und viele andere Dokumente für die Regierung der neuen Nation.
Alphonse Maria Mucha wurde geboren am 24. Juli 1860 in der Stadt Ivancice bei Mähren, (Tschechische Republik), welche dann Bestandteil der österreichischen Republik wurde. Er arbeitete in Mähren vor allem als Maler für Theaterdekorationen und wechselte anschließend im Jahre 1879 nach Wien, um für eine führende Theater-Design-Firma zu arbeiten. Als ein Feuer im Jahre 1881 dieses Unternehmen komplett zerstörte, kehrte er nach Mähren zurück, wo Karl Graf Khuen von Mikulov Mucha anbot, sein Schloss Ovany Emmahof in Ungarn mit Wandmalereien zu versehen. Graf Khuen war dermaßen beeindruckt von der Arbeit Muchas, dass er ihm an der Akademie der Bildenden Künste in München die gesamte Ausbildung finanzierte. Im Jahre 1887
zog Mucha nach Paris und setzte sein Studium an der Akademie Mie Academie Julian sowie Colaross fort. Mucha schuf hier eine Vielzahl von Gemälden, Zeichnungen, Entwürfen und Bühnenbildern. Sein Stil wurde später unter der Bezeichnung "Art Nouveau Stil weltbekannt. Der eigene Stil Muchas wurde oft nachgeahmt. In den Jahren 1906 bis 1910 besuchte Mucha die USA, kehrte dann aber wieder in die böhmischen Gefilde zurück, wo er das Prager Theater der Schönen Künste und viele andere Sehenswürdigkeiten der Stadt mit seinen Werken verschönerte. Als die Tschechoslowakei nach dem Ersten Weltkrieg ihre Unabhängigkeit gewann , entwarf Mucha Briefmarken, Banknoten und viele andere Dokumente für die Regierung der neuen Nation.
Alphonse Maria Mucha wurde geboren am 24. Juli 1860 in der Stadt Ivancice bei Mähren, (Tschechische Republik), welche dann Bestandteil der österreichischen Republik wurde. Er arbeitete in Mähren vor allem als Maler für Theaterdekorationen und wechselte anschließend im Jahre 1879 nach Wien, um für eine führende Theater-Design-Firma zu arbeiten. Als ein Feuer im Jahre 1881 dieses Unternehmen komplett zerstörte, kehrte er nach Mähren zurück, wo Karl Graf Khuen von Mikulov Mucha anbot, sein Schloss Ovany Emmahof in Ungarn mit Wandmalereien zu versehen. Graf Khuen war dermaßen beeindruckt von der Arbeit Muchas, dass er ihm an der Akademie der Bildenden Künste in München die gesamte Ausbildung finanzierte. Im Jahre 1887
zog Mucha nach Paris und setzte sein Studium an der Akademie Mie Academie Julian sowie Colaross fort. Mucha schuf hier eine Vielzahl von Gemälden, Zeichnungen, Entwürfen und Bühnenbildern. Sein Stil wurde später unter der Bezeichnung "Art Nouveau Stil weltbekannt. Der eigene Stil Muchas wurde oft nachgeahmt. In den Jahren 1906 bis 1910 besuchte Mucha die USA, kehrte dann aber wieder in die böhmischen Gefilde zurück, wo er das Prager Theater der Schönen Künste und viele andere Sehenswürdigkeiten der Stadt mit seinen Werken verschönerte. Als die Tschechoslowakei nach dem Ersten Weltkrieg ihre Unabhängigkeit gewann , entwarf Mucha Briefmarken, Banknoten und viele andere Dokumente für die Regierung der neuen Nation.
Alphonse Maria Mucha wurde geboren am 24. Juli 1860 in der Stadt Ivancice bei Mähren, (Tschechische Republik), welche dann Bestandteil der österreichischen Republik wurde. Er arbeitete in Mähren vor allem als Maler für Theaterdekorationen und wechselte anschließend im Jahre 1879 nach Wien, um für eine führende Theater-Design-Firma zu arbeiten. Als ein Feuer im Jahre 1881 dieses Unternehmen komplett zerstörte, kehrte er nach Mähren zurück, wo Karl Graf Khuen von Mikulov Mucha anbot, sein Schloss Ovany Emmahof in Ungarn mit Wandmalereien zu versehen. Graf Khuen war dermaßen beeindruckt von der Arbeit Muchas, dass er ihm an der Akademie der Bildenden Künste in München die gesamte Ausbildung finanzierte. Im Jahre 1887
zog Mucha nach Paris und setzte sein Studium an der Akademie Mie Academie Julian sowie Colaross fort. Mucha schuf hier eine Vielzahl von Gemälden, Zeichnungen, Entwürfen und Bühnenbildern. Sein Stil wurde später unter der Bezeichnung "Art Nouveau Stil weltbekannt. Der eigene Stil Muchas wurde oft nachgeahmt. In den Jahren 1906 bis 1910 besuchte Mucha die USA, kehrte dann aber wieder in die böhmischen Gefilde zurück, wo er das Prager Theater der Schönen Künste und viele andere Sehenswürdigkeiten der Stadt mit seinen Werken verschönerte. Als die Tschechoslowakei nach dem Ersten Weltkrieg ihre Unabhängigkeit gewann , entwarf Mucha Briefmarken, Banknoten und viele andere Dokumente für die Regierung der neuen Nation.
Alberto Cerriteno ist ein Designer und Illustrator aus Mexiko-Stadt, der gerne mit seinen Werken animiert. Er genießt es mit den Farben zu spielen, sein Motto:
Hauptsache es sieht gut aus. Derzeit arbeitet er als Senior Art Director in einer Marketing- und Designagentur in Portland Oregon welche auf Artwork spezialisiert ist. Alberto nutzt für seine Kunst verschiedene Medien, sei es in digitaler Form oder auf traditionelle Weise als Gemälde.
Alex Pardee einzigartiger Stil ist konzipiert durch Jahrelanges schauen von Horrorfilmen, Graffitis zu sprayen sowie, das Hören von Gangster-Rap. Er ist am besten bekannt für seine selbst herausgegeben U-Comics und Kalender, wie z. B. "Bunnywith" & "Schnarchen Blood". Zusammen mit seinen Ausstellungen in Galerien, wo seine Stücke oft zum Leben erweckt werden, indem sie mit zufälligen Formen und Farben die Anzeichen von Qual und Absurdität aufzeigen. Durch die Gegenüberstellung dieser beiden gegensätzlichen Stimmungen, macht Alex seine Werke für den Zuschauer persönlicher indem sie gezwungen werden, ihre eigenen Gefühle und Emotionen in verdrehtes Universum zu projizieren.
Außer seiner Vorliebe Prominente zu erniedrigen, verwendet Alex seine Kunst als Mittel der Selbst-Medikation, mittels der Erschaffung emotional geladener Bilder auf Leinwänden, Skizzenbüchern, sowie alle anderen Oberflächen auf welche sich seine bizarren Zeichnungen aufbringen lassen.
Es wird behauptet, dass die Wahrheit am besten erzählt wird mittels übertriebenen Humors. Die Schneidigkeit welche Bob Dob dem Leid seiner Bad Boy Charaktere aufdrückt, verleiht ihnen einen hämischen Ausdruck von Humor. Der festgehaltene Moment und der finstere Blick bei seinen Charakteren, spiegelt sich wider in deren beständigen pubertierenden Angst. Damit spricht er alle Generationen an, um mit der Jugend von heute zu kommunizieren. Seine Erzählungen schildern Figuren in Aktion, wobei jeder Charakter etwas repräsentiert, was wir alle sein, sagen oder tun wollen, ganz gleich ob wir fünf oder fünfundsiebzig Jahre alt sind. Es sind die Schattenseiten, die wir entweder auf unserem bisherigen Weg verloren und vergessen haben, oder irgendwie täglich selbst exerzieren. Geboren und aufgewachsen in Hermosa Beach, Kalifornien hat Bob Dob für sich persönlich den Geschmack der Pubertät kultiviert indem er sein Talent auch durch Musikmachen ausdrückt, er spielt Gitarre in seiner Punk Band namens >>Lunacy<<. Die Umwandlung von der Musik zur Malerei und Kunst war ein ganz normaler Fortschritt für ihn. Augenblicklich arbeitet er als Freelance Künstler für Firmen wie Aflac, American Airlines, Village Voice und ABC Family Channel.
Caia Koopman ist in Kalifornien / Livermore geboren. Sie studierte Kunst und erwarb einen B.A. an der University Santa Cruz, Kalifornien, USA.
Caias Bilder wurden bisher oft kommerziell genutzt und seit vielen Jahren als Grafik für Snowboards, Skateboards und Wakeboards genutzt u.a. für große Firmen wie K2, Morrow und Hyperlite. Caias wurde auch von "MTV Sports" unterstützt als Sportler/Künstler wg. Ihres Snowboardings und Ihrer Malerei.
Caia hat ihre Bilder schon in einer Reihe von Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt in jüngster Zeit in der Galerie La Luz de Jesus in LA. Zur Zeit arbeitet sie als freiberufliche Illustratorin und Malerin in Kalifornien/Oceanside.
Caia ist inspiriert von der Natur, Träumen, Politik und dem Leben.
Michael Page wurde 1979 geboren und ist ein autodidaktischer Künstler. Er lebt und arbeitet als Vollzeitkünstler in San Francisco, Kalifornien. Seine Arbeiten wurden bereits national und international auf der ganzen Welt einschließlich Reykjavik, Berlin, Rom, Bristol und Montreal ausgestellt. Hierbei wurde Michael gleichsam ener Ausgabe des High Fructose Magazines und in diversen Ausgaben des DPI-Magazines und des Empty Magazines unterstützt.